Categoria: Gênero e Forma Musical

A postagem de hoje é dedicada às crianças. E quando o assunto é música clássica para crianças, duas obras vêm logo à mente da maioria das pessoas: Pedro e o Lobo, de Prokofieff, e O Carnaval dos Animais, de Camille Saint-Säens.

Mas eu gostaria de chamar a atenção de vocês para uma crença minha: a de que podemos apresentar ao público infantil a música de praticamente todos os compositores eruditos.

Tudo depende de como apresentá-las. Não podemos, por exemplo, esperar que crianças ouçam atentamente uma sinfonia completa de Mahler – até mesmo os adultos têm dificuldade em acompanhar tamanha quantidade de informação musical.

Mas pode ser muito fácil apresentar a elas alguns trechos de Mahler, trechos bem escolhidos, e de uma maneira informal e descontraída. Tenho feito isso há muitos anos dentro da Série de Concertos “O Aprendiz de Maestro“, realizada na Sala São Paulo.

Posto isso, devemos também observar que alguns compositores se ocuparam em escrever obras mais adequadas ao público infantil, de modo que esse repertório vai muito além de Pedro e o Lobo – e quanto ao Carnaval dos Animais, podemos afirmar com certeza que Saint-Säens em nenhum momento pensou em crianças ao escrevê-lo.

Como eu dizia, existem alguns caminhos para chamar a atenção das crianças, e um deles é o fascínio dos instrumentos musicais. Em concertos infantis, mostrar ao público os instrumentos, explicar brevemente como eles funcionam, quais são suas partes, de que são feitos é sempre muito agradável.

Guia da Orquestra para os Jovens

Pois, além de Pedro e o Lobo, há uma célebre obra sinfônica já organizada nesse sentido: é o Guia da Orquestra para os Jovens, do compositor inglês Benjamin Britten. Trata-se de uma série de variações sobre um tema de Henry Purcell, e cada variação é executada por um dos instrumentos da orquestra.

Além de didática, a obra tem alta qualidade musical, e pode ser tocada também para os públicos mais sofisticados.

Fascínio por Animais

Além dos instrumentos, os animais também fascinam as crianças. Aliás, o sucesso de Pedro e o Lobo e do Carnaval dos Animais se deve muitíssimo à combinação desses dois ingredientes. Mas existem muitas outras obras que “brincam” com os animais, e podem ser apresentadas às crianças, como o Voo do besouro de Rimsky-Korsakov.

A Bailarina

Outra coisa que fascina as crianças, principalmente as meninas, é a figura da bailarina. E se a obra em questão for o Quebra Nozes, de Tchaikovsky, melhor ainda, com seu enredo que trata de crianças ganhando brinquedos em uma noite de Natal.

Por diversas vezes eu apresentei trechos deste Balé, com orquestra e bailarinos no palco, e garanto a vocês: as crianças ficam sempre encantadas!

Fantasia

Até agora estou falando apenas em concertos; mas se pensarmos numa cena doméstica, na qual um pai ou uma mãe queiram despertar o interesse dos filhos para a música de concerto, uma boa dica é recorrer a obra prima de Walt Disney chamada Fantasia.

E pensar que existem muitos adultos que ainda não a conhecem! Se esse é o seu caso, caro leitor, escute meu conselho: veja o quanto antes esse desenho animado. É absolutamente delicioso de se assistir, e garanto que pais e filhos vão se maravilhar juntos!

Villa-Lobos escreveu diversas obras pensando nas crianças: o Guia Prático, coleção de melodias folclóricas para ser usada na escola pública; e peças para piano admiráveis como as cirandas, as cirandinhas, as suítes “prole do bebê”, e o Carnaval das Crianças Brasileiras.

Desta suíte extremamente delicada e inspirada vamos destacar os seguintes trechos: O ginete do Pierrozinho, em que o compositor descreve um pequenino fantasiado de Pierrô, cavalgando seu cavalo de brinquedo.

Children’s Corner

Terminaremos com Claude Debussy que em 1908 escreveu uma suíte para piano dedicada à sua filha Claude-Emma, que na época tinha 3 anos de idade. A essa suíte Debussy deu o nome de Children’s corner, e a construiu em 6 movimentos:

• Doctor Gradus ad Parnasum, uma referência a um importante didática de Muzio Clementi. A tradução é passos para o paraíso – paraíso, no sentido do domínio técnico do piano.

• Jimbos Lullaby, uma cantiga de ninar irônica, pois é toda escrita nos registros graves do piano, coisa bastante inusual para esse gênero de música.

• Serenade for the Doll, ou serenata para uma boneca.

• The Snow is Dancing, ou a neve está dançando.

• The Little Shepard, ou o pequeno pastor.

• Golliwoggs’s Cakewalk, onde cakewalk é uma dança afro-norte americana, contemporânea do ragtime, e Golliwogg era um personagem muito conhecido da literatura infantil no século XIX.

Espero que tenha gostado deste post.

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Saudações Musicais!

Um importante gênero instrumental é a suíte barroca. É um dos gêneros instrumentais mais antigos, e conhecê-lo nos ajuda muito a compreender melhor os gêneros que vieram depois.

Vamos começar por algo bem simples, mas que muita gente não sabe: o significado da palavra suíte. Suíte vem do francês e quer dizer sequência. Então uma suíte é uma sequência de peças musicais.

As primeiras suítes que surgiram eram sequências de danças praticadas nas cortes e palácios aristocráticos. Conhecemos hoje belíssimas compostas por grandes mestres como J. S. Bach. Mas nem sempre foi assim.

Houve uma época em que os músicos não compunham suítes; eles simplesmente organizavam em sequência uma série de danças avulsas já conhecidas. É o mesmo que fazem hoje em dia os músicos que tocam em bailes e festas.

Danças

E essas danças avulsas? De onde vinham? De toda a parte. Dançar é uma atividade tão antiga quanto a humanidade. Eu quero crer que não deve ter havido uma civilização ou um grupo humano em toda a nossa história que não tenha cultivado o hábito de dançar, fosse em rituais ou por pura diversão.

E o hábito ou desejo de dançar também se faziam presentes em todas as classes sociais. Assim, no final da Idade Média, na Europa, dançavam os camponeses em suas aldeias, e dançavam os nobres, protegidos em seus castelos. Dentro deles foram plantadas as sementes da suíte instrumental.

Origens

Durante a Idade Média a Europa sofreu guerra atrás de guerra. Os árabes invadiam pelo Sul, os vikings vinham do Norte e tribos do leste europeu também ameaçavam. Viver dentro de um castelo era uma das melhores garantias de segurança.

Alguns castelos abrigavam muita gente, que em períodos belicosos ficavam ali trancados, e em períodos de tranquilidade recebiam visitas de outros membros da nobreza, fosse para fazer arranjos políticos, contratos de casamentos etc. Em qualquer uma dessas situações, dançar era uma das poucas formas de diversão possíveis. Não saber dançar corretamente era uma falha grave, tamanha a importância desses bailes e festas.

Para essas ocasiões, escreviam-se muitas danças avulsas, cujas partituras circulavam pelas cortes em cópias manuscritas. Então em dois castelos distantes seria possível ouvir uma mesma dança, como essa:

Essa foi uma bourrée, de autor anônimo, dança francesa de origem camponesa, mas que acabou sendo adotada pelas cortes. Aqui ela foi executada pelo conjunto sueco Westra Aros Pijpare, ou os Gaiteiros de Westra Aros.

Michael Praetorius

É um belo exemplo da música de dança que se fazia no final da Idade média na Europa. E se nós estamos aqui ouvindo a gravação dessa peça, devemos a agradecer a um músico alemão que viveu entre 1571 e 1621 e se chamava Michael Praetorius.

Ele foi muito prolífico como compositor e também como teórico. Deixou entre seus escritos um volume no qual compilou mais de 300 danças francesas avulsas que circulavam pelo continente. Esse trabalho nos serve como uma mostra da imensa atividade musical ligada à dança daquele tempo.

Pavana e Galharda

Eu gostaria de destacar mais duas peças dessa coleção de Praetorius. Primeiramente uma Pavana. A Pavana é uma dança lenta, em ritmo de dois tempos, com caráter processional. Seus passos eram muito simples. As pessoas caminhavam lentamente, de uma maneira semelhante àquela que uma noiva faz hoje em dia ao entrar na igreja. Era a oportunidade que os cortesãos tinham para mostrar suas ricas vestimentas, desfilando diante do nobre anfitrião. Alguém nota alguma semelhança com os atuais desfiles de moda?…

A Pavana, como essa que ouvimos, fazia dobradinha com a Galharda, que tinha caráter oposto. Era rápida, em ritmo de três tempos, e tinha passos difíceis e cansativos, porém divertidos. As pessoas tinham de saltar e, enquanto estavam no ar, cruzavam. Dançar galhardas equivalia na época a ir a uma academia de ginástica.

A Pavana e a Galharda eram frequentemente tocadas uma depois da outra. Em sequência, diríamos nós hoje. Ou “en suite”, diriam os franceses. E essa dobradinha Pavana/Galharda, parece ter sido mesmo a origem da suíte de danças.

O que aconteceu foi algo bastante simples. Os instrumentos musicais foram evoluindo lentamente ao longo de séculos. Depois do apogeu da música vocal polifônica, no século XVI, os compositores do século XVII já se sentiam à vontade pra se dedicar mais e mais à música puramente instrumental.

Parecia uma boa ideia compor obras instrumentais usando como base os ritmos daquelas danças que eram tão apreciadas. Assim surgiram das mãos de vários compositores sequências de danças para serem tocadas e apreciadas pelos ouvintes. Eram sequências de alemandas, sarabandas, burrées, gigas, etc, que não seriam mais dançadas, apenas apreciadas. Nascia assim a suíte barroca, uma sequência de danças.

Ela poderia ser composta para qualquer meio de expressão: uma pequena orquestra, um alaúde solo, uma flauta acompanhada de instrumentos de cordas… qualquer combinação seria possível.

Jean-Philippe Rameau

Clicando abaixo você poderá ouvir uma típica suíte barroca composta para ser tocada ao cravo. É a suíte em la menor do compositor francês Jean-Philippe Rameau, que faz parte do seu livro Pièces de Clavecin, ou peças para cravo, de 1706.

Ela é composta por um prelúdio, 2 alemandas, que são danças alemãs, uma courante, dança francesa, 2 sarabandas, espanholas, uma giga, inglesa, uma “venetiènne”, que como o nome diz, é veneziana, e finalmente uma gavota e um minueto, francesas.

O compositor tinha liberdade para montar a suíte como quisesse, e aqui vemos que Rameau fez uma suíte verdadeiramente internacional. Esse modelo se tornou um padrão no século XVIII. No repertório da época vamos encontrar um número muito grande de suítes que tem como esqueleto a Alemanda, a Corrente, Sarabanda, e a Giga.

Além do caráter internacional, esse esqueleto mantém o padrão lento-rápido da antiga dobradinha Pavana-Galharda. A Alemanda tem andamento lento, a Courante é rápida; a Sarabanda é lenta e a Giga, rápida.

Além dessas 4 danças básicas, o compositor poderia acrescentar outras conhecidas como “galanterias”. Danças galantes que tinham caráter mais leve, como o minueto, a gavota, a bourré, passepied, polonaise, etc. O compositor estava livre para deixar sua fantasia fluir. E muitas vezes, nem mesmo o esqueleto básico era mantido.

Aria da 4ª Corda

J. S. Bach, por exemplo, considerado um compositor austero, escreveu quatro suítes para orquestra e em nenhuma delas respeitou o esqueleto. Deixou apenas alguma reminiscência dele. E uma das obras mais conhecidas de Bach, faz parte de uma de suas suítes.

Muita gente conhece essa peça pelo nome de Aria da 4ª corda. Esse apelido vem do fato de um violinista do século XIX ter feito um arranjo dela para ser tocado apenas em uma das cordas do violino, a 4ª corda. Esse arranjo está quase esquecido hoje em dia. Na versão original, essa aria é o 2º movimento da 3ª suíte orquestral de Bach.

E é interessante notar que Bach se deu a liberdade de incluir uma peça com caráter de canção – pois a aria é efetivamente uma canção – numa sequência que deveria ser só de danças. Gênios estão sempre quebrando regras, por mais austeros que pareçam ser.

A suíte barroca foi um dos mais importantes gêneros instrumentais do século XVII e da 1ª metade do século XVIII. Um número imenso de suítes foi escrito nessa época para as mais variadas formações instrumentais, por compositores de diversas regiões. Com o final do período barroco, a suíte perde espaço para outros gêneros. como a Sinfonia, a Sonata, ou o Quarteto de Cordas.

No século XIX a palavra suíte volta a ser usada, mas a suíte dessa época é distinta da suíte barroca. Temos a suíte da ópera Carmen, de Bizet, ou a suíte do Ballet Quebra Nozes, de Tchaikovsky. Essas suítes, no entanto, não têm relação direta com a suíte de danças barroca. Mas são um assunto interessante, e nós vamos falar dela em uma próxima postagem.

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Saudações Musicais!

Durante os muitos séculos de evolução da música de concerto europeia, coexistiram duas grandes tendências: a primeira, procura usar a música para descrever coisas ou estados de espírito; a segunda, ao contrário, via a obra musical como algo abstrato, um grande jogo de sons em movimento.

Essas duas tendências raramente foram encaradas dogmaticamente, ou seja, a grande maioria dos compositores escreveu música a partir dos dois princípios. Um nunca excluiu o outro.

A ideia da música não abstrata levou ao surgimento no século XIX de um gênero musical de grande importância: o poema sinfônico.

Antes de falarmos do poema sinfônico, vamos conhecer algumas obras que já continham o seu embrião. E para isso vamos voltar ao tempo em que os instrumentos musicais já haviam alcançado um grande avanço técnico: o início do século XVII.

Naquela época os compositores se divertiam com as possibilidades imitativas dos instrumentos.

“Il Gardelino”

Vivaldi usou as flautas que podiam imitar os sons de pássaros, como num concerto chamado “Il Gardellino”.

Este é um exemplo de como é possível fazer os instrumentos imitarem explicitamente um som qualquer da natureza. Afinal, a flauta em sua região aguda tem mesmo um som semelhante ao de um pássaro.

O compositor pode usar esse som para tocar melodias com notas muito rápidas e repetidas, e com isso a semelhança com o trinado de um passarinho torna-se mesmo muito grande.

Heinrich Biber

Fiquemos um pouco mais no período barroco, com uma obra descritiva surpreendente: a suíte “Batalha” de Heinrich Biber.

Biber viveu entre 1644 e 1704, e foi considerado por muitos estudiosos como o mais importante compositor alemão antes de J. S. Bach.

Foi também um violinista virtuoso e compositor de grande imaginação, utilizando afinações inusuais para o violino e extraindo dele sons percutidos.

Vamos então à Suíte “Battallia” de Biber, escrita para um conjunto de 10 instrumentos de cordas.

“Battallia”

1º movimento: toques de clarins e tambores que conclamam todos à guerra.

2º movimento é intitulado “a torpe sociedade do humor comum”.

O próprio autor escreve: “aqui a música é dissonante, pois várias canções diferentes são cantadas ao mesmo tempo por soldados , como um bando de mosqueteiros bêbados berrando”.

Os mosqueteiros aqui não têm nada a ver com a visão romântica de nobres guerreiros leais ao rei.

Ao contrário, são mercenários de comportamento reprovável, vindos de várias partes da Europa, cada um cantando em sua própria língua.

No próximo movimento, as notas curtas que compõem o tema procuram descrever as estocadas de esgrimistas, não em situação de batalha, mas provavelmente em treinamento. Há ordem, e não a desordem do movimento anterior.

O 4º movimento, intitulado “A Marcha”, utiliza o contrabaixo imitando o tambor militar e o violino imitando o flautim, instrumentos típicos das marchas militares.

O 5º movimento tem um ritmo típico de galope, procurando descrever uma cavalgada. Esse ritmo serve de base para um tema que nos sugere o toque de clarim do primeiro movimento.

No 6º movimento a alegria e animação dos movimentos anteriores começa a se esvair. É a angústia que precede a batalha…

No 7º movimento, finalmente, a batalha acontece. Biber escreve na parte dos contrabaixos: “a batalha não deve ser tocada com o arco, mas com os dedos da mão direita, estalando as cordas como tiros de canhão”.

No 8º movimento, que encerra a suíte, ouvimos os lamentos dos mosqueteiros feridos.

Como essa obra, há muitíssimas outras que poderiam servir para ilustrar o conceito de música descritiva. Mas vamos deixar o barroco e seguir adiante no tempo.

“A Criação”

O período musical que se segue ao barroco é o classicismo, e nele os compositores chegaram a um grande refinamento na forma musical.

Foi justamente o momento supremo das tendências contrárias à música descritiva.

Apesar disso, podemos encontrar nesse período alguns exemplos surpreendentes desse gênero, como a introdução do grande oratório “A Criação”, de Joseph Haydn, à qual ele deu o título de “A Representação do Caos”.

Aqui, todas as normas de composição vigentes são contrariadas, para representar aquilo que teria antecedido a criação do universo. É a desordem, coisa impensável na arte do século XVIII.

Nem podemos chamar essa obra de descritiva; não há como descrever os sons do caos que precedeu a formação do universo.

Haydn se vale aqui do subjetivo, do conotativo, e obtém um resultado surpreendente.

Com Beethoven, que chegou a ser aluno de Haydn, chegamos mais próximos do poema sinfônico romântico.

“Egmont”

Muitas de suas obras podem ser consideradas genuínas precursoras do gênero, como as aberturas Leonora nº3, Coriolano ou Egmont. Vamos nos ater um pouco a essa última.

“Egmont” é o título de uma peça teatral escrita em 1788 por Johann von Goethe.

Na trama o Conde Egmont é um famoso guerreiro holandês, que luta contra a dominação exercida em seu país pelos espanhóis.

Ameaçado de prisão, Egmont recusa-se a fugir e a desistir do seu ideal de libertação. É preso, condenado à morte e executado, mas a mensagem final da obra é que mesmo com a morte de um herói o ideal de liberdade continua.

Beethoven escreveu música incidental para esta peça, e a abertura sobrevive até hoje como obra de concerto independente.

E é uma pena que muita gente ouça essa magnífica abertura em concertos, sem ter qualquer ideia dos muitos símbolos que ela encerra.

Símbolos encontrados na Abertura Egmont

Já de início percebemos o caráter trágico da obra.

E temos já um símbolo muito forte: o ritmo inicial é exatamente o da sarabanda, a dança espanhola que havia se tornado internacional durante o século XVIII. Uma nota longa, uma mais longa, uma curta e uma longa, como na Sarabanda de Bach.

Mas é uma sarabanda pesada, trágica, angustiada.

Após esse longo trecho em que Beethoven procura simbolizar a amargura e angústia do povo holandês submetido à tirania espanhola, acontece a morte de Egmont.

Temos duas notas descendentes que simbolizam o golpe da espada, silêncio e em seguida um coro fúnebre feito pelos instrumentos de sopro.

Segue-seentão o trecho final da obra, que é alegre e triunfante.

Essa alegria pode parecer paradoxal, mas trata-se do ideal de liberdade, que não morre, e até se fortalece após a morte do mártir.

Efetivamente, a morte de Egmont levantou o povo holandês, que finalmente se rebelou e livrou-se da dominação espanhola

Beethoven não chamou essa obra de Poema Sinfônico, e faleceu antes que o termo fosse criado. Mas sem dúvida já estava abrindo caminho para sua invenção, não só com essa, mas com outras obras.

O nome Poema Sinfônico foi criado por Franz Liszt. Liszt escreveu 12 deles, o primeiro em 1848, ou seja, cerca de 20 anos após a morte de Beethoven.

Seu poema sinfônico mais conhecido é o 3º da série, intitulado “Os Prelúdios”.

“Os Prelúdios”

Foi composto a partir de uma Ode do poeta francês Alphonse de Lamartine, que viveu entre 1790 e 1869.

Embora haja entre musicólogos muita discussão sobre até que ponto Liszt teria seguido realmente a obra de Lamartine, é certo que essa obra não é abstrata como uma sinfonia clássica.

A primeira edição da partitura incluiu um prefácio – que não foi escrito por Lamartine – mas que ilustra bem o enredo que Liszt desejou representar com sua música. Aliás, um prefácio que o próprio Liszt aprovou.

Ele diz:

“Que mais é a vida, senão uma série de prelúdios para aquele hino desconhecido, cuja primeira e solene nota é entoada pela Morte?

O amor é o admirável amanhecer de toda a existência;

Mas o destino pode fazer com que o deleite da felicidade seja interrompido por alguma tempestade, cujas mortais rajadas dissipam as ilusões.

E não vemos a alma cruelmente ferida, lançada fora de uma dessas tempestades, se esforçar para repousar suas memórias na calma serenidade da vida no campo?

Apesar de tudo, o homem dificilmente abandona-se por muito tempo ao prazer que pode desfrutar no seio da natureza.

Quando os trompetes soam o alarme, ele apressa-se para o local de perigo, seja qual for a guerra que a chama para assumir seu posto, a fim de finalmente recuperar no combate a completa consciência de si mesmo e de sua total energia.”

Não preciso falar mais, caros leitores.

Vocês já perceberam que nesse gênero de música um som vale mais que mil palavras.

Espero que tenha gostado deste post!

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Saudações Musicais do maestro J. M. Galindo.