Categoria: Estilos e Períodos

No final do século XIX, o romantismo musical já mostrava sinais de desgaste. Embora muitos compositores de grande estatura tenham se mantido fiéis a ele até o começo do século XX, alguns outros procuravam por novas alternativas, na forma musical e na sonoridade.

Inspirar-se em fontes musicais que haviam por muito tempo sido excluídas da música européia era um dos caminhos possíveis, e um compositor que percebeu isso com muita clareza foi o francês Claude Debussy.

Debussy começou a estudar piano com 7 anos de idade, e logo demonstrou enorme talento. Poderia tranqüilamente ter seguido com sucesso a carreira de pianista, mas apaixonou-se pela criação musical, e decidiu tornar-se compositor.

Estudou no Coservatório de Paris, e escreveu suas primeiras peças com 17 anos de idade, sempre contestando as normas acadêmicas. Não gostava de ópera italiana, flertou com o estilo de Wagner, mas logo o abandonou. Estava sempre à procura de sua personalidade como compositor.

Uma das primeiras experiências que lhe abriu as portas para as novas sonoridades que procurava aconteceu em 1889 – portanto quando ele estava com 27 anos.

A tal experiência aconteceu numa das visitas que ele fez à magnífica Exposição Universal realizada em Paris naquele ano.

Comemoravam-se os 100 anos da queda da Bastilha, símbolo do início da Revolução Francesa. De maio a outubro daquele ano, 32 milhões de pessoas visitaram as diversas atrações oferecidas, como a recém construída Torre Eiffel, o Diamante Imperial, maior do mundo até então, exposição de locomotivas de última geração, shows diversos como uma representação do “Far West” norte-americano, e por aí afora.

Pois bem, com tudo isso, o que deixou Claude Debussy de boca aberta foi um conjunto musical vindo da Indonésia: um Gamelão!

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O Gamelão é um conjunto formado basicamente por instrumentos de percussão, principalmente gongos e pratos dos mais variados tipos e tamanhos. E importante: não são afinados segundo os padrões europeus.

Debussy ficou encantado com o que ouviu, chegando a comentar que perto daquilo, os acordes ocidentais pareciam música de criança.

Esses sons da ásia marcaram o compositor para sempre; em 1903 ele iria compôr uma peça para piano chamada Pagodes, numa referência às habitações indonésias que levam esse nome.

É uma peça encantadora. Vale a pena ouvi-la!

Como eu disse há pouco, Debussy ainda muito jovem encantou-se com a música de Liszt e Wagner, que era o que havia de mais moderno na 2ª metade do século XIX; contudo, esse encantamento logo se foi, e ele abriu-se para novas possibilidades.

A música de Gamelão trouxe vários elementos que ele passou a usar com freqüência em várias obras.

Por exemplo, a escala que chamamos de “pentatônica”, ou seja, de cinco notas.

É diferente da escala básica ocidental, nossa velha conhecida, tem 7 notas, do re mi fa sol la si…

“Pagodes”, a peça que você pode ouvir clicando no link acima faz uso dessa escala.

Outro ponto interessante a ser notado, nessa busca pelo afastamento do romantismo musical, é o que lemos na partitura dessa peça.

O próprio Debussy escreveu: “tocar quase sem nuance”.

Nuance, no jargão musical, se refere à intensidade de som. Assim, Debussy quer que a peça seja tocada praticamente no mesmo volume de som, sem “crescendos” ou “diminuendos”, de modo que a ênfase cai sobre os timbres, as cores sonoras, eliminando os excessos expressivos.

Outra informação: Pagodes é na verdade a 1º de uma seqüência de três pecas, uma suíte intitulada “Estampes”.

A 2ª se chama La Soirée dans Grenade, ou em português, a Noite em Granada, em que temos o uso da escala árabe:

Graças a essa escala, Debussy aqui também se afasta do padrão europeu. Granada, como sabemos, é a região da Espanha que talvez tenha retido a maior influência árabe da Península Ibérica. O grande compositor espanhol Manuel de Falla disse sobre a peça: “Não há um único compasso nesta peça que tenha sido retirado do folclore espanhol, mas mesmo assim toda a composição, nos seus mínimos detalhes, retrata admiravelmente a Espanha.”

Clique abaixo para ouvi-la.

A 3ª e última peça da suíte “Estampas” chama-se “Os Jardins sob a Chuva”. Esta não tem nenhum elemento não europeu, e procura descrever um jardim da cidade de Orbec, na Normandia, durante uma violenta tempestade.

Há muitos elementos descritivos – o vento, os trovões, as gotas de chuva – entremeados com melodias folclóricas.

Outra escala que Debussy passou a usar com o objetivo de se afastar da sonoridade européia foi a escala de tons inteiros.

Um exemplo de peça construída a partir dessa escala é “Voiles” – véus, em português.

Debussy realmente consegue passar a sensação de véus que se movem pela ação do vento, criando um ambiente translúcido.

Para encerrar a série sobre o Grupo dos Cinco, veremos agora o mais célebre deles: Nikolay Rimsky-Korsakov.

A 1^a paixão do menino Nikolay não foi a música, mas o mar. Como os outros compositores do grupo dos cinco, ele começou a ter aulas de piano ainda na infância, mas não se entusiasmava muito. Ia levando. O que o fascinava de verdade eram as histórias sobre o mar, as que lia, ou que ouvia, contadas por seu irmão 22 anos mais velho, que era marinheiro e explorador.

Ele nunca havia sequer visto o mar; mas o fascínio era tamanho que em 1856, com apenas 12 anos de idade entrou para a Escola de Navegação da Real Marinha Russa. Formou-se em 1862, e estes foram seis anos admiráveis em sua vida, aprendendo e viajando.

Contudo, em 1861, ou seja, um ano antes da formatura, Korsakov foi apresentado a ninguém menos que Mily Balakirev, o líder e mentor do grupo dos cinco.

Aí seu interesse pela música ressurgiu, e algo extraordinário aconteceu: com seus parcos estudos musicais – aulas de piano pelas quais nunca se entusiasmara, e alguns esparsos conhecimentos de composição, Korsakov, incentivado por Balakirev lançou-se à composição de sua primeira obra: uma sinfonia!

Cara leitora ou leitor, pra você ter uma idéia, Johannes Brahms, por exemplo, só se aventurou a compor uma sinfonia aos 40 anos de idade, depois de escrever muita, muita música de outros gêneros. Naquela época, a força das Sinfonias de Beethoven era algo tão avassalador que os compositores nutriam grande cautela pelo gênero.

Pois bem, o jovem Korsakov foi em frente, e auxiliado por Balakirev, concluiu sua sinfonia. E o mais interessante é que ele fez isso durante uma longa viagem de navio pelo planeta, onde chegou até a passar pelo Rio de Janeiro.

Pois bem, a sinfonia fez enrome sucesso; foi o marco inicial de sua carreira, que uniu suas duas paixões: a música e o mar.

Trata-se, em minha opinião, de uma belíssima obra, verdadeiramente contagiante, como eu disse há pouco. Porém, apesar de todo o esforço nacionalista de Balakirev, eu ainda identifico aqui muita influência germânica, muito Beethoven, muito Schumann.

Isso iria mudar com a Sinfonia número 2.

A segunda sinfonia de Kimsky-Korsakov tem um programa, uma história, que foi sugerida ao compositor por dois de seus colegas do grupo dos cinco, Cesar Cui e Modeste Mussorgsky.

Trata-se de um texto do escritor russo-polonês Osip Sennkovsky, que conta a história de Antar, um inimigo da humanidade.

Isolado no deserto, Antar salva uma gazela das garras de um pássaro gigante. Cansado da luta com o pássaro, Antar dorme, exausto, e sonha que está no palácio da Rainha de Palmira, a conhecida cidade da Síria. Lá ele descobre que a Rainha é ninguèm menos que a Gazela que ele havia salvo. Como prêmio por tê-la salvo, a Antar é então permitido gozar de três dos maiores prazeres da vida: vingança, poder e amor.

É uma música cheia de exotismo, e com traços orientais, típicos da estética do grupo dos cinco. Muito diferente da 1^a Sinfonia.

Korsakov completou sua primeira Sinfonia em 1865, quando tinha 21 anos de idade. A 2^a Sinfonia foi concluída em três anos depois, em 1868.

E entre as duas Korsakov produziu Sadko, o 1^o poema sinfônico russo.

A 2^a Sinfonia já tinha os elementos de um poema sinfõnico, mas Korsakov a estruturou em 4 movimentos separados, como mandava o figurino. Já Sadko é uma obra de um só movimento, compacta, baseada em uma antiga lenda russa.

Mais uma vez temos a presença de Balakirev e do mar.

Balakirev admirava muito uma obra sinfônica chamada “Sinfonia do Oceano”, escrita anos antes por Anton Rubinstein. Rubinstein era, contudo, um compositor acadêmico, germânico, de modo que Balakirev sonhava com uma versão tipicamente russa desta “Sinfonia do Oceano”. Ele conversou com outro ideólogo do nacionalismo russo, o escritor Vladimir Stasov, que sugeriu a lenda de Sadko e criou um roteiro para ser usado na composição.

Sadko era um conhecido personagem da tradição oral russa, que cantava e tocava um intrumento semelhante à lira; um Orfeu russo, digamos. Ele é levado para o Reino dos Mares, onde deve providenciar a música para o casamento da filha do rei. Ele o faz com muito êxito, mas em determinado momento a música começa a ficar demasiadamente frenética, criando ondas gigantescas, que ameaçam afundar todas as embarcaçoes. Para acalmar o mar, ele é obrigado a esmagar sua lira. Tudo se acalma e ele, magicamente, é transportado de volta para o litoral.

A obra fez muito sucesso, e na opinião do próprio compositor isso aconteceu pela originalidade do trabalho, da beleza das melodias e da vivacidade do tema dançante.

Em 1867, mesmo ano em que Kirsakov compôs Sadko, Mily Balakirev planejou um concerto que chamou de pan-eslavo. Na sua concepçao de uma estética musical não germânica havia espaço para o orientalismo, e também para elementos musicais de todos os países do leste europeu.

Haveria neste concerto várias obras com referências a vários países eslavos, de modo que Balakirev pediu a Korsakov que construísse uma obra com melodias sérvias, melodias que ele mesmo, Balakirev, forneceu.

Em sua autobiografia Korsakov confessou que não foi a idéia de um pan-eslavismo o que o motivou a compôr a obra, mas sim a grande beleza das melodias fornecidas por Balakirev.

Finalmente, em se tratando de um post sobre Nikolay Rimsky-Korsakov, não podemos deixar de falar da muito célebre suíte sinfônica Scheherazade.

Scheherazade não é uma obra de juventude, como todas essas das quais falamos até agora. Foi composta em 1888, quando o compositor tinha 44 anos de idade.

É baseada na coleçao de textos “As Mil e Uma Noites” – textos provenientes da Asia e do Oriente Médio, que foram compilados em árabe entre os séculos 8 e 13.

É um dos melhores exemplos do orientalismo tão estimado pelos compositores do grupo dos cinco.

A obra tem a envergadura de uma grande sinfonia romântica – 4 movimentos, com uma duração total de cerca de 45 minutos. Mas fora isso, não tem mesmo nada a ver com as sinfônias germânicas, e por isso o próprio compositor preferiu chamar a obra de Suíte Sinfônica.

Para cada um dos movimentos ele deu um título.

O primeiro é “O Mar e o barco de Sinbad” – e temos aqui, mais uma vez, o mar, a primeira paixão do compositor.

O segundo movimento é “ O Príncipe Kalandar”.

O terceiro, “O jovem príncipe e a jovem princesa”.

Finalmente, o 4^o e último movimento chama-se “Festival em Bagdad. O Mar. O barco choca-se contra um penhasco, sobrepujado por um cavaleiro de bronze.”

DICA DE LEITURA

Eternas, as histórias das Mil e uma noites se espalharam por todo o mundo, sendo contadas para crianças e adultos através dos séculos. A trama é sobre o sultão Shahriar, que, após descobrir a traição da mulher, decide casar-se cada noite com uma jovem diferente, matando-a ao amanhecer. Tal condenação só é desfeita quando Sherazade, a impetuosa filha do grão-vizir, se oferece como noiva do sultão e faz com que as noites se multipliquem ao inebriar o marido com suas histórias envolventes.
Com apresentação de Malba Tahan, esta edição de luxo das Mil e uma noites traz aventuras de mercadores, anedotas, histórias de príncipes e gênios, além dos clássicos Ali Babá, Aladim e Simbá, o marinheiro.

Mily Balakirev

Mily Balakirev foi um pianista fabuloso, dono de uma excelente leitura à primeira vista, imensa intuição e bom gosto.

Nasceu numa pequena cidade e teve as primeiras aulas de piano com sua mãe. Seu grande talento logo chamou a atenção dos amantes da música da região, que lhe providenciaram aulas com os melhores professores.

Foi praticamente adotado por um conde que mantinha uma pequena orquestra em sua propriedade. Balakirev freqüentava as suas reuniões musicais, onde conheceu as obras dos grandes compositores europeus da época.

Progrediu tanto que aos 15 anos já lhe era permitido ensaiar a orquestra do Conde; e foi aí que ele conheceu as sinfonias de Beethoven. Nessa idade ele compôs suas primeiras obras, entre elas uma Grande Fantasia para Piano e Orquestra sobre Temas Populares Russos.

Ainda jovem, portanto, o compositor já se interessava pela música folclórica de seu país, o que era um prenúncio do que iria acontecer em sua carreira.

Contudo um fato importante iria consolidar seu interesse pela criação de uma música genuinamente russa: o contato com o compositor Mikhail Glinka.

Glinka era cerca de 30 anos mais velho que Balakirev, e foi o pioneiro na utilização de matéria prima russa, quando compôs a ópera “Uma vida pelo Czar”. Suas danças e coros populares fizeram da obra um imenso sucesso.

Balakirev conheceu Glinka em 1855, em São Petersburgo. Tornaram-se próximos e travavam com freqüência sérias discussões sobre o futuro da música russa. Balakirev, a essa altura, já havia decidiu tornar-se o continuador da obra de Glinka.

Como vimos, Balakirev já vinha, desde os 15 anos de idade, introduzindo música popular russa em suas obras. Com Glinka ele descobriu novos recursos, como o Orientalismo.

A história do orientalismo começa com 2^a ópera de Glinka, Ruslan e Ludmila. Nela o compositor introduziu vários trechos que remetiam aos países mais ao leste do império russo. Os compositores do Grupo dos Cinco iriam levar adiante essa idéia, de modo o orientalismo tornou-se a sua principal característica.

Num primeiro momento, os compositores usaram melodias dessas regiões distantes. Mas logo eles foram além, e o orientalismo tornou-se veículo para uma simbologia muito interessante. Estabeleceu-se uma dicotomia entre a racionalidade ocidental e a irracionalidade e passionalidade oriental. Referências à vasta extensão do império russo, que se ampliava naquela época, somavam-se à idéia de uma real separação entre a estética musical germânica e a nova estética russa.

Uma das mais importantes obras de Balakirev é toda calcada no orientalismo. Chama-se Tamara.

Ela retrata a história de uma linda jovem, que vivia sozinha em uma torre numa passagem de viajantes na fronteira entre a Rússia e a Geórgia. Ela seduzia e atraia os viajantes, e após passar a noite com eles, os matava e atirava no rio Terek.

Balakirev cria dois ambientes musicais distintos. Um de caráter dionisíaco, com ritmos obsessivos, notas repetidas, e andamentos acelerados. Outro, descreve o desejo sensual, com ritmos irregulares, melodias alongadas, e dissonâncias pouco usuais.

DICA DE LEITURA

Nas palavras do romancista Milton Hatoum, Orientalismo é “um ensaio erudito sobre um tema fascinante”: como uma civilização fabrica ficções para entender as diversas culturas a seu redor. Para entender e para dominar. Neste livro de 1978, um clássico dos estudos culturais, Edward W. Said mostra que o “Oriente” não é um nome geográfico entre outros, mas uma invenção cultural e política do “Ocidente” que reúne as várias civilizações a leste da Europa sob o mesmo signo do exotismo e da inferioridade. Recorrendo a fontes e textos diversos – descrições de viagens, tratados filológicos, poemas e peças, teses e gramáticas -, Said mostra os vínculos estreitos que uniram a construção dos impérios e a acumulação de um fantástico e problemático acervo de saberes e certezas européias. A investigação da origem e dos caminhos do Orientalismo como disciplina acadêmica, gosto literário e mentalidade dominadora, vai e volta do século XVIII aos dias de hoje, das traduções das Mil e uma noites à construção do canal de Suez, das viagens de Flaubert e “Lawrence da Arábia” às aventuras guerreiras de Napoleão no Egito ou dos Estados Unidos no golfo Pérsico. Um livro fascinante e indispensável.

Hoje é a vez de Alexander Borodin (1833- 1887)

Alexander Borodin foi outro compositor do “Grupo dos Cinco”, a turma de russos barulhentos que viveu na 2a. metade doséculo XIX e batalhou pela criação de uma música genuínamente russa, sem influências alemãs, italianas, francesas, e por aí afora.

Suas principais obras são: duas sinfonias, dois quartetos de cordas , o poema sinfônico Nas Estepes da Ásia Central e a ópera Príncipe Igor.

Houve um tempo em que sua música estava tão na moda, que alguns de seus temas fram usados em um musical americano . Isso aconteceu em 1954. O musical chamava-se “Kismet”, que quer dizer “destino, em Português.

Este é mais um exemplo da mistura entre os mundos da música clássica e da música popular, muito mais frequente do que podemos imaginar!!!

Bordin era médico e químico de profissão e formação, e fez importantes contribuições iniciais para a química orgânica. Embora atualmente seja mais conhecido como compositor, ele considerava a medicina e as ciências como suas principais ocupações, praticando música e composição apenas nas horas vagas ou quando estava doente.

Borodin foi um promotor da educação na Rússia e fundou a Escola de Medicina para Mulheres em São Petersburgo, onde lecionou até 1885.

Clique aqui para ver um vídeo com um trecho da ópera “Príncipe Igor”. Se não conhece, tenho certeza que ficaá encantado!

Na póxima postagem continuamos com o Grupo dos Cinco.

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Até lá!

A postagem de hoje é sobre Cesar Cui.

César Cui é um nome que o amante da música de concerto volta e meia encontra em em revistas especializadas, encartes de CDs, etc.

Mas é fato que sua música é muito pouco conhecida.

E sua vida, da qual sabemos muito pouco, é muito interessante.

A presença de Cui no Grupo dos Cinco é um paradoxo, ou mesmo um mistério.

Ele foi o menos russo dos cinco. Seu pai era francês, um militar do exército de Napoleão que, após a retirada decidiu não voltar para seu país. Havia se apaixonado por uma jovem lituana, de descendência polonesa, e com ela se casou. Estabeleceu-se na cidade de Vilnius, onde conseguiu um trabalho como professor de francês.

Nesta cidade nasceu Cesar Cui, que cresceu aprendendo nada menos que quatro línguas: francês, polonês, lituano e russo. E aí, caro leitor, creio que está a raiz do paradoxo que eu mencionei há pouco. Cui haveria de, entre outras coisas, tornar-se um prolífico crítico e cronista musical, tendo escrito uma grande quantidade de textos sobre música. Nesses textos, ele advogava vigorosamente a criação de uma estética musical genuinamente russa. Contudo a sua música, na maioria dos casos, não materializa essas crenças. Em muitas obras o que ouvimos é um compositor universalista, admirador dos estilos e Chopin e Schumann.

Nikolay Rimsky-Korsakov, que se tornou o mais conhecido do grupo, deixou escrito que Balakirev, o lider do grupo, e o mais radicalmente devotado à causa da estética russa, “permitia um certo grau de liberdade a Cui, tratando com indulgência muitos elementos qua não se afinavam com suas preferências”.

Acontece que o talento de Cui para as pequenas peças era realmente excepcional. Nas suas miniaturas, peças de 2 a 4 minutos, ou até mais curtas, ele conseguia criar com perfeição estados de espírito precisos e climas de absoluto erncanto.

É um tanto chocante ouvir essa declaração do próprio compositor:

“ Embora Russo, eu sou meio francês, meio lituano, e eu não tenho o sentido da música russa em minhas veias….

Mas há algumas obras de Cui em que o espírito russo está presente, como a Suíte Orquestral no. 3, opus 43, à qual o compositor deu o título de “In Modo Popolari”.

São seis movimentos: Allegro Moderato, Moderato, Vivace, Moderato, Allegretto e Vivace ma non troppo.

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Até a próxima postagem!