Categoria: Compositores

João Jorge Leopoldo Mozart, nascido na cidade austríaca de Augsburgo em 1719, era um homem religioso. Na meia-idade, acreditou estar presenciando um milagre. São suas as seguintes palavras, escritas em uma carta datada de julho de 1768, quando tinha 49 anos de idade:

“Eu devo essa tarefa a Deus Todo Poderoso, senão eu serei a mais ingrata de todas as criaturas. E se for meu dever convencer o mundo da veracidade deste milagre, assim será, especialmente hoje, quando as pessoas estão ridicularizando o que quer que seja chamado de milagre, e negando todos os milagres”.

Esse milagre, que ainda segundo ele “Deus deixou nascer em Salzburgo”, era o imenso e precoce talento musical demonstrado por seus dois filhos, Maria Ana e João Crisóstomo Lupicínio Amadeus Mozart.

O Pai

Leopoldo era um intelectual, o único a viver em Salzburgo em seu tempo. Apesar de não pertencer a uma família aristocrática, teve acesso a uma boa educação, ao frequentar uma escola Jesuíta em Augsburgo, sua cidade natal. E já em Salzburgo, para onde se mudou com 18 anos de idade, ingressou na Universidade Beneditina onde graduou-se em filosofia.

Embora religioso, não era profundamente devoto. Sua educação racional fez dele um homem bastante sóbrio e crítico. Sua religiosidade era temperada pelas ideias do iluminismo que pouco a pouco ganhavam a Europa.

Porém, quando se deu conta do assombroso talento de seus filhos, sentiu-se como que atingido por um raio. Aquilo foi para ele uma revelação divina, algo que mudou substancialmente sua maneira de ver a vida. Foi então que ele decidiu entregar-se totalmente à tarefa que citei há pouco; promover o desenvolvimento daqueles talentos; aquilo tornou-se para ele era uma obrigação para com Deus.

Obras

Segundo sua filha Maria Anna, em 1760, quando estava com 41 anos e no auge de sua criatividade, Leopoldo deixou de lado as aulas de violino e a composição; todo o tempo que não era usado para realizar as suas obrigações profissionais, ele dirigia para a educação musical dos dois pequenos.

Nessa altura Leopoldo já havia escrito muita música. Dentre tudo o que conhecemos dele há muita música de ocasião, ou seja, peças muito simples encomendadas para situações específicas da corte, como festas ou cerimônias civis e religiosas. A qualidade dessa música é sempre mediana, como era de se esperar. Mas há também algumas muito belas, como esta que nosso caro leitor pode ouvir, clicando no link abaixo.

Leopoldo também escreveu um grande número de sinfonias, mais de 80, muitas das quais estão perdidas. Embora a maioria delas seja música bastante convencional, outras podem ser apreciadas ainda hoje com prazer. Aliás, até os anos setenta do século passado, algumas delas figuravam no catálogo de obras de seu filho Amadeus.

Vocês sabem, caros leitores, de toda a obra de Leopoldo, o que mais se grava? As obras que pertencem à categoria de… pitorescas.

Aqui vão alguns exemplos: a Sinfonia dos Brinquedos, em que são utilizados instrumentos de brinquedos, como tambores, cornetas ou matracas. Ou a Sinfonia da Caça, em que a escrita musical imita galopes, pássaros, latidos, e a qual podem ser introduzidos sons de apitos e tiros; ou uma sinfonia intitulada “O Casamento Campestre”, nas quais se ouve os sons de instrumentos rústicos como gaitas de foles e violas de roda.

Maria Anna

Maria Anna, a filha mais velha de Leopoldo, era tão talentosa quanto o pequeno Amadeus. Fez várias viagens com seu pai e irmão, exibindo sua técnica e musicalidade ao piano para plateias de nobres e poderosos em cidades como Munique, Paris e Londres. Porém, aquela época não favorecia o sucesso professional das mulheres, e a partir de 1769, quando completou 18 anos, Maria Anna passou a exibir sua musicalidade apenas dentro de casa, enquanto seu irmão Amadeus viajava e afirmava-se como compositor.

Houve um momento em sua juventude que Maria Anna começou a compor, o que se sabe pela correspondência que trocava com seu irmão; irmão, que aliás, a adorava e encorajava profundamente. Mas infelizmente nenhuma de suas partituras sobreviveu.

Ela casou-se aos 33 anos de idade com um magistrado da cidade de Saint Gilegen e teve três filhos, tornando-se uma dona de casa.

Em 1801, aos 50 anos, ficou viúva, retornando a Salzburgo com seus filhos, para uma vida simples e pacífica. Lá manteve-se ativa como professora de piano, e muitas pessoas importantes da cidade encaminhavam seus filhos para estudar com a irmã do grande Amadeus Mozart. Faleceu solitária e pobre em 1829, com 78 anos de idade.

Amadeus

Todo mundo já deve ter ouvido falar que o pequeno Amadeus Mozart compôs sua primeira música aos 5 anos. Muita gente duvida, mas não é mentira não, caros leitores. Ele realmente começou a escrever pequenos minuetos e outras peças simples nessa idade, mas… com certeza, a mão de seu pai Leopoldo o ajudava a segurar a caneta – ou melhor, a pena. Aliás, todas partituras que Amadeus Mozart escreveu até completar 14 anos, são repletas de reparos e correções feitas com a caligrafia de seu pai.

Este é um minueto que ele escreveu aos cinco anos:

A evolução de Amadeus foi rápida. Com apenas 8 anos ele escreveu sua 1ª sinfonia.

Abaixo o 1º movimento de sua Sinfonia nº1, catalogada com o número 16 no catálogo de Köechel. Aqui sim estamos diante de não mais um minueto simplesinho, mas de uma peça de envergadura nem maior.

Francisco

Assim como seu pai Leopoldo, Amadeus Mozart teve vários filhos, e só dois chegaram à idade adulta. Dos dois só um seguiu a carreira musical: Francisco Xavier Mozart, que nasceu em 1791, poucos meses antes da morte do pai, e faleceu em 1844, com 53 anos de idade.

Francisco estudou música com os melhores mestres Vienenses: Salieri, o grande compositor da corte; Hummel que havia sido aluno de seu pai; Albrechstsberger, que havia sido professor de Beethoven; e Sigismundo Neukomm, que fora aluno de Haydn, e viveu no Rio de Janeiro, onde conheceu o nosso Padre José Maurício Nunes Garcia.

Francisco Xavier Mozart também demonstrava um grande talento musical. Salieri declarou que ele certamente desenvolveria uma carreira comparável à de seu pai. E com efeito, Francisco começou a compor muito jovem. Pianista e violinista, aos treze anos fez sua primeira apresentação pública.

Mas não era fácil ser filho de quem era. Francisco, apesar de muito bom músico, sempre subestimava seu próprio talento, e temia que suas obras fossem sistematicamente comparadas com as de seu pai.

Além disso, foi um daqueles compositores que viveu numa época um tanto difícil: a passagem do classicismo para o romantismo, sob a sombra de Beethoven. Em alguns momentos Francisco Xavier ainda é bastante clássico. Em outros, já soa claramente romântico.

Mozarteum

Francisco viveu 20 anos numa cidade alemã chamada Lemberg, lecionando, fazendo recitais, e regendo. Foi o fundador da 1ª escola de música da cidade. Aos 47 anos voltou para Viena, e posteriormente mudou-se para Salzburgo, onde foi nomeado “mestre de capela” do Mozarteum.

O Mozarteum de Salzburgo foi uma associação criada por volta de 1840, graças aos esforços da viúva de Amadeus Mozart, que tinha como missão “o refinamento do gosto musical, em relação à música sacra e também à música de concerto”. As atividades da associação, que incluía concertos com orquestra, tornou-se no século XIX o centro da vida musical da cidade. A associação cresceu e entre 1910 e 1914 construiu um prédio com duas salas de concerto, e hoje quando se fala no Mozarteum de Salzburgo, refere-se a elas.

Linhagem

Como eu disse há pouco, Amadeus Mozart teve dois filhos que atingiram a idade adulta. O irmão mais velho de Francisco Xavier era Carlos Tomás Mozart, que viveu entre 1784 e 1858.

Carlos estudou piano em Viena quando jovem, e demonstrava muito talento. Seus interesses, no entanto, oscilavam entre o piano e outras atividades. Em 1810, aos 26 anos, ele desistiu definitivamente da música como profissão, e tornou-se um oficial a serviço do Vice-Rei de Nápoles em Milão. Desde 1797 ele estava radicado na Itália e de lá nunca mais saiu.

Nem Carlos nem Francisco tiveram filhos. Terminou com eles a descendência direta de um dos maiores músicos que a humanidade gerou: João Crisóstomo Lupicínio Amadeus Mozart. E se podemos hoje nos encantar com sua música, não podemos deixar de agradecer seu pai, João Jorge Leopoldo Mozart, que cuidou muito bem para que o talento de seu filho desabrochasse.

Espero que tenha gostado deste post.

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Saudações Musicais!

Imagine só caro leitor, que você está em Viena, no ano de 1813, e é convidado a comparecer a um concerto beneficente.

Toda a renda será revertida em favor dos soldados que se tornaram inválidos nas guerras napoleônicas.

“O que ouviremos”, você pergunta? E ouve como resposta: “obras inéditas de Beethoven, incluindo a “Sinfonia da Batalha”.

Acha estranho? Pois não é! Vamos saber mais!

Napoleão

Em 1803, ou seja, dez anos antes, Beethoven era um fervoroso admirador de Napoleão.

Toda sua admiração se foi quando o general francês se tornou Imperador dos franceses.

Beethoven passou então a combatê-lo como podia, ou seja, com sua música.

Segundo o musicólogo suíço Harry Goldschmidt, a sétima sinfonia de Beethoven, que foi uma das obras estreadas neste concerto de dezembro de 1813, é essencialmente anti-napoleônica.

O segundo movimento, em caráter de marcha fúnebre, foi o primeiro a ser composto, muitos anos antes, logo após a batalha de Austerlitz.

Era 1805, e a Áustria sofrera uma traumática derrota ante as forças francesas.

O estilo titânico de Beethoven

Nos anos seguintes Beethoven escreveu várias obras profundamente dramáticas, desenvolvendo seu estilo “titânico”, como a 5ª Sinfonia e as aberturas Coriolano e Egmont, essas duas de cunho moralizante e libertário.

Entre 1811 e 1812 Beethoven concluiu a sua sétima sinfonia, aproveitando a marcha fúnebre escrita dez anos antes, e construindo um 4º movimento com características de uma dança popular húngara chamada Verbunko.

Além de ser fascinado pelo aspecto rústico dessa dança popular, Beethoven também identificava nela um apelo patriótico, um desejo de libertação do povo húngaro…

Sinfonia da Batalha de Beethoven

Pois bem, caros leitores, nessa mesma noite de 8 de dezembro de 1813, em que foi estreada a 7ª Sinfonia de Beethoven, ouviu-se uma outra obra que não deixa a menor dúvida sobre postura anti-napoleônica do compositor: trata-se da “Sinfonia da Batalha”, opus 91, também conhecida como “A Vitória de Wellington”.

Em junho de 1813, tropas britânicas, portuguesas e espanholas, comandadas pelo 1º Duque de Wellington, derrotaram o exército francês na cidade espanhola de Vittoria.

O exército francês era comandado por José Bonaparte, irmão mais velho de Napoleão e então rei da Espanha.

Essa derrota foi decisiva para o final da campanha francesa na Península Ibérica, e empolgou vivamente Beethoven. Foi inspirado nela que ele escreveu a Sinfonia da Batalha.

Por muito tempo Beethoven incluiria essa obra em todo concerto em que figurava a Sétima Sinfonia.

Movimentos da Sinfonia da Batalha

Esta pequena sinfonia é dividida em cinco movimentos:

O 1º deles descreve a entrada em cena das tropas aliadas

O 2º movimento descreve a Entrada do Exército francês

O 3º movimento descreve a batalha

O 4º movimento descreve o final da Batalha e a desolação da visão dos mortos

Finalmente, o 5º e último movimento foi batizado por Beethoven de Sinfonia do Triunfo.

Trata-se de uma obra extremamente explícita, que formou durante a vida de Beethoven uma “dobradinha”, com a 7ª sinfonia.

Esta foi o outro lado da moeda, o lado poético, não explícito, mas profundamente evocativo da vitória contra a tirania napoleônica, uma verdadeira euforia da vitória.

Assim, para terminar, deixo aqui dois links, para vocês ouvirem essas duas obras: A Sinfonia da Batalha, e a Sinfonia nº 7.

Dica de Leitura

Fruto de mais de uma década de trabalho, a biografia escrita por Jan Swafford alia rigor e entusiasmo ao oferecer um retrato detalhado da vida e da obra do compositor alemão. Ele mesmo um compositor renomado, Swafford comenta a evolução do trabalho de Beethoven em análises ao mesmo tempo eruditas e acessíveis, sem perder de vista o leitor leigo.

Além da compreensão profunda do músico revolucionário, Swafford busca fontes até então pouco exploradas para retraçar a vida íntima do homem, desfazendo mitos persistentes e descobrindo novos detalhes sobre as principais influências formadoras do autor da Nona Sinfonia.

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Christoph Graupner

O texto de hoje terá como tema esses dois compositores contemporâneos e rivais – no bom sentido – de J. S. Bach: Telemann e Graupner.

Talvez você nunca tenha ouvido falar do compositor Christoph Graupner. Ele foi contemporâneo quase exato de J. S. Bach: nasceu dois anos antes dele, em 1683, e faleceu dez anos depois, em 1760.

Em 1696, quanto tinha 16 anos, Graupner foi admitido como aluno da célebre Thomasschule – A Escola da Igreja de São Tomás – em Leipzig, onde Bach mais tarde viria a ser professor. E como Bach, ele foi esquecido e negligenciado após sua morte, passando a ter sua obra redescoberta só no século XX.

Contudo um fato interessante que envolveu esses dois compositores aconteceu em 1722 .

Na ocasião Graupner estava profundamente insatisfeito com seu emprego de mestre-capela na cidade de Darmstadt. Não recebia seu salário há meses, tinha muitos filhos para sustentar, e após várias tentativas de ser pago, decidiu candidatar-se ao cargo de “Kantor” – ou Diretor Musical – em Leipzig. Outro concorrente era J. S. Bach.

Mas havia já um preferido, escolhido para o cargo: ninguém menos que… Georg Philipp Telemann.

Telemann

Telemann era um páreo duro – talvez o mais estimado compositor alemão em seu tempo. A sorte porém estava ao lado de Graupner; Telemann trabalhava em Hamburgo e em 1722 passou a dirigir a ópera da cidade, um cargo de alto prestígio que lhe proporcionou um belo aumento em seu salário. Por isso, abriu mão do emprego em Leipzig, deixando o caminho livre para Graupner.

E a sorte sorriu duplamente para Graupner: muito estimado por seu patrão, o Conde de Hesse-Darmstadt, teve todo seu salário atrasado pago, e ainda conseguiu um aumento.

Ele também abriu mão da candidatura, deixando desta vez o caminho livre para o terceiro da fila: Johann Sebastian Bach.

Após saber da escolha de Bach, Graupner enviou felicitações ao conselho municipal de Leipzig, parabenizando-o pela decisão acertada.

Acima você pode ouvir um movimento do Concerto Polonês em sol maior de Georg Philipp Telemann, uma peça para cordas, sem solista, apesar do título concerto: Musica Antiqua Koln – dirigido pelo violinista Reinhard Goebel.

Como vocês certamente notaram, este Concerto Polonês é uma música leve, fácil de ouvir.

Estilo Musical

Telemann conheceu a música popular polonesa em especial quando trabalhava na corte de um conde, da cidade de Sorau, que até a segunda metade do século XIX esteve submetida aos governantes prussianos, para então passar a fazer parte definitivamente da Polônia.

Esse estilo musical, muito diferente da austeridade típica de J. S. Bach, foi algo que contribuiu para que Telemann se tornasse um compositor tão célebre na Alemanha da primeira metade do século XVIII.

Aliás, a grande influência da música popular não foi a única diferença entre ele e Bach; enquanto este nunca saiu da Alemanha, Telemann tornou-se um artista cosmopolita; após exercer importantes cargos em seu país em Eisenach, Frankfurt e Hamburgo, mudou-se para a Paris, o maior centro musical da Europa.

Bastaram oito meses de residência na capital francesa para que Telemann obtivesse reconhecimento internacional. Com 60 anos de idade, consagradíssimo, Telemann diminuiu seu ritmo de trabalho, passando a compor menos.

Viveria ainda mais 26 anos, e ao morrer deixou uma obra gigantesca: mais de 3000 peças. Muitas que se consideravam perdidas continuam sendo encontradas, e entre elas incluem-se concertos, música de câmara, e muita música sacra.

Assim como Bach, Telemann escreveu uma belíssima Paixão Segundo São Mateus. Vamos ouvir um trecho:

Ópera

Telemann, Graupner e Bach, como quaisquer trabalhadores, procuravam as melhores condições de trabalho e os melhores salários. Para isso precisavam compor o que a sociedade alemã da época demandava: música sacra, música de entretenimento, e principalmente ópera; aí temos outra grande diferença entre o trabalho Bach e de seus principais contemporâneos: Bach nunca escreveu ópera.

Telemann por sua vez escreveu cerca de 40, que raramente são ouvidas atualmente. Por isso fiz questão de reservar um tempo para ouvirmos um recitativo e uma aria de sua ópera Pimpinone.

Composta em 1725, é uma obra visionária, antecipando em 8 anos a importantíssima “Serva Padrona” de Pergolesi.

Vamos ouvir o recitativo “Ich suche zwar ein Gluck” – “Estou procurando sorte”, em português, um diálogo entre as personagens Vespetta e Pimpinone, e em seguida a aria de Vespetta “Hoflich reden, lieblich singen”. – “Fale educadamente, cante docemente”.

Christoph Graupner também dedicou-se à ópera, tendo escrita a primeira delas por volta dos 24 anos de idade. Seu título: Dido, a Rainha de Cartago, tema já abordado anteriormente na sublime obra prima de Henry Purcell, Dido e Eneas. Vamos ouvir um trecho:

Cantatas

Até os 35 anos de idade Graupner dedicou-se quase que exclusivamente à ópera, trabalhando como cravista da ópera de Hamburgo, e em seguida como mestre de capela na corte de Darmstadt. Mas a partir de 1719, ele não mais compôs qualquer ópera, transferindo boa parte de sua dedicação para um gênero musical importantíssimo na cultura alemã de então: a cantata.

Graupner produziu o número assombroso de 1442 cantatas, a maior parte delas religiosas.

Vamos ouvir um trecho da cantata Ach, Gott und Herr, Ah, Deus e Senhor.

Além de ópera e música sacra, Graupner também compôs muita música secular instrumental.

Para terminar, uma dica de leitura, um livro muito simpático contanado a vida de Bach para crianças.

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Saudações Musicais do maestro J. M. Galindo.

Quando se fala na música sacra de W. A. Mozart, pensa-se logo em sua magnífica Missa de Réquiem, na grande Missa em do menor, ou na conhecida Missa da Coroação.

Contudo, além dessas obras de grande envergadura, Mozart deixou muitas obras menores absolutamente encantadoras.

Vamos começar com uma peça que, dentre as pequenas obras sacras de Mozart, é talvez a mais conhecida.

Seu nome é Ave Verum Corpus.

Trata-se de um texto litúrgico muito antigo, cuja fonte mais antiga é do século XIV.

Acredita-se que tenha sido escrito por um papa, Inocêncio III, IV ou VII.

Assim sendo, o texto era usado na eucaristia, ou seja, na cerimônia que relembra a última ceia de Cristo com seus apóstolos.

Na Idade Média era recitado ou cantado no momento da consagração, em que o sacerdote elevava a hóstia.

Numa obra sacra, é importante saber o texto!

Este é o texto que Mozart musicou:

Letra em latim:

Ave verum corpus, natum de Maria Virgine,
vere passum, immolatum in cruce pro homine.
Cuius latus perforatum fluxit aqua et sanguine:
esto nobis praegustatum in mortis examine.
O Iesu dulcis, O Iesu pie, O Iesu, fili Mariae.

Tradução:

Salve, verdadeiro Corpo nascido da Virgem Maria,
verdadeiramente atormentado, imolado na cruz pelos homens,
de cujo lado perfurado fluíram água e sangue;
sê para nós uma antecipação [do banquete celeste] na provação da morte.
Ó Jesus doce, ó Jesus piedoso, ó Jesus, filho de Maria!

A relação entre texto e música

Vamos observar com alguma atenção a relação entre texto e música.

Os dois 1ºs versos – Ave, verdadeiro corpo nascido da Virgem Maria – falam do o corpo de Cristo.

A música então, é serena, tranquilizadora.

Os próximos versos falam do sofrimento de Cristo.

A música sublinha esse significado com aquilo que nós músicos chamamos de modulação, uma mudança na harmonia, com a introdução de um acorde até então não utilizado.

Esse acorde está colocado exatamente sobre a palavra “Imolatum” – imolado em português.

Os próximos versos são ainda mais duros.

Dizem que o corpo de Jesus foi perfurado e dele fluíram água e sangue.

Da mesma forma, temos uma nova modulação, mas que nos causa uma sensação diferente da primeira.

A música aqui fica escura, sombria.

Segue-se uma sucessão de modulações que faz com que a música pouco a pouco volte ao caráter sereno e consolador, condizente com os últimos versos do poema: que seu corpo possa ser uma antecipação do banquete celeste.

Clicando na imagem abaixo você poderá ao mesmo tempo ouvir a música e ler os versos traduzidos para o português.

Procure sentir como as nuances da música acompanha os versos!

Venite Populi

Seguimos com mais um exemplo da Música Sacra de Mozart: Venite Populi, outra peça curta, com cerca de cinco minutos de duração.

Ela tem uma forma ternária, ou seja, tem três partes bem distintas, que podemos perceber claramente.

A primeira parte do texto conclama todas as pessoas, de todos os lugares, mesmo os mais distantes, a vir e admirar uma nação tão grandiosa, que como nenhuma outra, tem o seu Deus tão próximo e tão presente.

A repetição insistente da frase “Venite Populi” – Venha, povo – tem realmente um caráter de chamamento.

Aliás, um chamamento cheio de alegria e entusiasmo.

A segunda parte – a parte central da peça – tem um caráter muito diferente: é solene, reflexivo.

O texto aqui fala mais uma vez da da Eucaristia, a lembrança da última ceia, e a consagração do pão e do vinho como corpo e sangue de Cristo.

Na terceira parte da peça voltam o entusiasmo e a alegria iniciais.

O texto diz:

Portanto, vamos festejar, com o pão da verdade e da sinceridade e com o vinho da alegria eterna.

No finzinho da peça ouve-se novamente o chamamento inicial: Venite, populi, venite.

Laudate Dominum

Vamos agora a uma experiência musical totalmente diferente das peças que ouvimos anteriormente. Nesta próxima peça não há modulações destinadas a produzir grandes efeitos dramáticos.

Em vez disso o que temos é pura melodia acompanhada, melodia da maior beleza, do mais perfeito contorno.

É isso mesmo: contorno. Podemos pensar em uma melodia como uma linha que sobe, desce, dá voltas, saltos. Por isso nós músicos usamos com frequência a expressão “linha melódica”.

Essa peça, do jeito que foi escrita poderia sem nenhum problema fazer parte de uma ópera, se o seu texto fosse substituído por outro. Ou poderia ser o segundo movimento de um concerto, se em lugar da voz tivéssemos um instrumento solista.

Aliás, a peça tem uma cadência – aquele momento em que a orquestra para e o solista exibe sozinho suas habilidades técnicas e instrumentais – um procedimento típico dos concertos para instrumento solista e orquestra.

O fato de não haver modulações dramáticas não contraria o texto, pois ele também é sereno.

Ele diz:

Laudai o Senhor, todas as nações
Laudai o senhor, todas as pessoas.
Pois ele confirmou
sua misericórdia sobre nós.
E a verdade divina durará para sempre.
Glória ao Pai, ao Filho e ao Espírito Santo,
como era no princípio, agora e para sempre,
por todos os séculos,
Amem.

Misericordias Domini

Eu costumo dizer que uma maneira bem eficiente de aprender é comparando coisas opostas. Vamos fazer isso agora. Essa peça que acabamos de ouvir é, como eu disse há pouco, uma única melodia acompanhada por orquestra e órgão.

Já a peça que vamos ouvir em seguida apresenta o oposto: contraponto cerrado, ou seja, várias linhas melódicas simultâneas se entrelaçando.

A peça toda é uma formidável construção contrapontística, ou polifônica, como também costumamos dizer.

Mas há vários pontos em que Mozart faz todas as vozes cantarem em bloco, evitando a polifonia.

Esses pontos são muito curtos e têm por função separar uma seção de outra, do mesmo jeito um ponto final separa um parágrafo de outro.

Esse “ponto – parágrafo” acontece várias vezes na peça.

Quanto ao texto, era usado com frequência no período da Páscoa Cristã, e é extraído da Salmo 33 ou 32: A Terra está plena da Misericórdia do Senhor.

Sonata de Igreja em dó maior, K329

Em 1773, quando estava com 16 anos, e ainda vivia em Salzburgo, Mozart foi indicado para o cargo de Domkonzertmeister, ou seja o líder da orquestra da Catedral da cidade.

Durante o período em que ocupou esse cargo o jovem compositor escreveu várias peças puramente instrumentais para serem usadas em momentos especiais da liturgia.

Seria uma situação semelhante à que temos hoje por exemplo durante a comunhão; enquanto as pessoas comungam, alguma música de fundo é tocada. Ou durante um casamento, em que também uma música instrumental pode ser tocada durante a bênção das alianças.

Ele chamou essas peças de Kirchensonnaten, ou Sonatas de Igreja, em Português.

Vamos ouvir uma delas, a Sonata de Igreja em dó maior, K328, escrita em 1779, um pouco antes de mudar-se definitivamente para Viena.

Quem nunca ouviu essa peça vai perguntar: ué, maestro? Isso é música de Igreja? Parece mais uma sinfonia!

E a pergunta terá todo o cabimento. Trata-se de uma peça puramente instrumental, sem qualquer alusão a algum texto religioso, de caráter leve e alegre.

Um típico entretenimento musical do século XVIII. Mas não estranhe: esse tipo de música era sim ouvido nas igrejas de muitas cidades europeias daquela época.

A peça tem cinco minutos de duração, é construída em apenas um movimento, e foi escrita para orquestra.

Exsultate, jubilate

Como vimos até aqui, Mozart utilizou em sua produção de música sacra os materiais e estilos mais diversos: contraponto altamente elaborado, digno de J.S. Bach; as mais belas melodias em estilo italiano; música que sublinha fielmente o texto religioso, de sincero espírito devocional, ou, ao contrário, puro divertimento musical.

Por isso a sua música sacra sobrevive hoje nas salas de concerto, independentemente de sua intenção religiosa.

E eu não posso terminar este texto sem mostrar a vocês uma obra sua que é tocada com frequência, e mescla essas vertentes todas que eu acabei de descrever.

Trata-se do moteto Exsultate, Jubilate, para soprano e orquestra.

Ela foi escrita em 1773, quando Mozart estava com 17 anos, e encontrava-se em Milão. Ele estava no final de uma longa viagem pela Itália, em que seu pai cuidou para que ele aprendesse com os maiores mestres italianos de seu tempo.

Lá em Milão Mozart conheceu um cantor castrado, Venanzio Rauzini, de quem tornou-se amigo. A obra foi escrita para ele.

Ela dura cerca de 15 minutos e é dividida em três movimentos, exatamente como se fosse um concerto para instrumento solista e orquestra.

A 1ª parte é rápida, e tem todas as características de um 1º movimento de concerto, incluindo uma cadência.

O 2º movimento é lento, uma belíssima aria precedida por um recitativo

O 3º e último movimento é novamente rápido e muito alegre.

É uma peça que une de maneira muito feliz características da música sacra, da música de concerto e da ópera.

Espero que tenha gostado deste post!

Saudações Musicais!

O francês Erik Satie é um daqueles compositores dos quais só se conhece uma música..

Esta música é a Gymnopedie nº 1, conhecida até mesmo por aqueles que não se interessam nem um pouco por música de concerto. É uma dessas melodias que eu classifico como um “achado”, algo que gruda imediatamente na memória de todos.

Para saber que música é, clique no link abaixo.

Você certamente vai reconhecê-la.

Como aconteceu com tantos outros compositores, as outras obras de Satie são pouquíssimo conhecidas

Então que tal conhecermos mais alguma coisa do autor dessa peça? É o que faremos aqui e agora. Vamos conhecer um pouco mais da obra e da vida de Erik Satie.

Satie, um gerador de polêmica

Erik Satie foi e ainda é um compositor polêmico.

Para muitos, sua obra não tem importância alguma; é uma música fraca, infantil, fruto de um artista sem competência e sem inspiração.

Para outros, ele foi um gênio, um visionário.

Essa é uma polêmica eterna e nem de longe eu acho que posso resolvê-la. Mas se há algo que me faz pender para a segunda hipótese é conhecer um pouco da estranha personalidade do artista.

Satie, o estranho…

Stranvisky certa vez declarou que Satie era a pessoa mais excêntrica que ele jamais conhecera, com uma incrível presença de espírito.

Um exemplo:  contam que ele tinha vários ternos em seu guarda roupa – todos absolutamente iguais em modelo e cor.

Erik Satie ingressou no importantíssimo Conservatório de Paris com 13 anos de idade, mas logo percebeu que teria dificuldades para adaptar-se àquela instituição – coisa que, aliás, aconteceu com outros compositores renomados, como  Hector Berlioz ou Claude Debussy.

Saiu do Conservatório e pouco tempo depois buscou o misticismo, entrando   na Ordem Rosa Cruz.

Em 1892, após deixar a Ordem, Satie fundou sua própria religião, à qual deu o nome de Igreja Metropolitana da Arte de Jesus, o Maestro.

Intitulou-se  mestre de capela de sua religião, e  aproveitou para publicar uma revista … que usava para investir furiosamente contra pessoas que ele desaprovava.

Satie e a Idade Média

Bem, seja como for, a pasagem pela Ordem Roza Cruz o fez  interessar-se seriamente pela música da Idade Média; então lá foi Erik Satie estudar o Canto Gregoriano e a  antiga música polifónica vocal….

Esse estudo da polifonia da idade média certamente foi importantíssimo para a desenvolvimento de seu estilo e de sua estética.

Na época em que Satie viveu, o estilo de Richard Wagner dominava a Europa – uma música muitas vezes grandiloquente, seríssima, sentimental, desprovida de humor e harmonicamente muito complexa.

Se você acha que não conhece o estilo de Wagner, clique aqui e ouça “A Cavalgada as Walquías”.

O cansaço Wagneriano

Só que naquele final de século XIX,  a música Wagneriana já estava cansando muitos compositores, que procuravam uma alternativa para ela.

E foram os compositores franceses que pouco a pouco encontraram saídas interessantes, como Debussy, Ravel, e … o próprio Satie.

Por ser autodidata, excêntrico, e por ter se embrenhado pelos caminhos da música medieval,  Satie acabou por criar uma música  passava muito, muito longe da música de Wagner.

Um crítico musical alemão chamado Hans-Klaus Jugeinrich, tem um artigo muito interessante sobre o compositor, no qual ele diz que …

” o  que parecia falta de seriedade, provocação ou esquisitice sonhadora contém o germe de inúmeras inovações do século XX, como o dadaísmo ou a arte pop. ”

“Satie era um revolucionário sem violência e sem sistematização, que deixava para outros a exploração das descobertas feitas por ele.”

Satie e a simplicidade das peras

Satie fez uma deliberada e consciente opção pela extrema simplicidade – coisa estranha na época da extrema sofisticação Wagneriana.

Criava melodias simples, usava acordes simples, optava por uma fluência musical sem sobressaltos e sobretudo gostava de humor e de pequenas provocações.

Quando disseram que ele não conhecia forma musical, não titubeou em escrever “Três peças em forma de pera”

Ouça uma delas, clicando aqui embaixo.

Percebeu, caro leitor, a nitidíssima forma de pera da peça?

Não? Bem, eu também não, mas isso não é grave…

Mas voltemos à sua famosa Gymnopedie, que abriu este post.

Satie, O Gato Negro e os Gregos Nus

Conta-se que em dezembro de 1887, Satie visitou um célebre cabaré francês chamado “Le Chat Noir”, ou o Gato Negro.

Poster do cabaré “Le Chat Noir”.

Lá Satie foi apresentado ao diretor da casa, fomoso por suas provocações.

Perguntando insistentemente a Satie qual era sua profissão, ele – que a rigor não tinha nenhuma – respondeu, provocativamente: “Sou Gymnopedista”.

Meses depois, compôs três peças curtas para piano às quais deu o título de “Gymnopedies”.

A esta altura o leitor pode estar perguntando: o que é, afinal, uma gymnopedie?

No século VII antes de Cristo, em Esparta, na Grécia, as Gymnopedies eram celebrações anuais nas quais jovens guerreiros exibiam suas habilidades marciais, dançando nus, com seus corpos atléticos besuntados em óleo.

A relação entre essa prática e as Gimnopedies de Satie é algo que eu deixo a cargo de vocês, caros ouvintes, pois ele mesmo nunca explicou…

Os Balés de Satie

Mas ele também escreveu para orquestra, e entre suas obras orquestrais, a mais conhecida é o balé Parade – ou Parada, em português.

Parade foi escrito em estreita colaboração com dois dos mais geniais artistas da virada do  século XIX para o XX: Jean Cocteau e Pablo Picasso.

Cocteau, um dos mais importantes poetas, dramaturgos e cineastas franceses, foi o idealizador do balé, que procurou criar um espetáculo cênico cubista.   

Contou com figurinos e cenário de Pablo Picasso e coreografia de Leonid Massin.

Parade streou em 1917, fazendo parte dos Balés Russos de Dyagilev. Satie não podia estar em melhor companhia…

Veja um trechinho aqui:

A História de “Parade”

A história se passa numa feira de variedades, ao ar livre, onde artistas performáticos e pregoeiros tentam a qualquer custo atrair a multidão.

A música procura descrever esse ambiente até a chegada do primeiro artista, o prestidigitador chinês, que faz truques com um ovo e engole fogo, pondo em perigo as pessoas ao redor, até ser impedido de continuar…

A segunda parte, que se chama La Fille Americaine, ou a jovem americana, é uma alusão aos filmes de Charles Chaplin, e nele Satie introduz sonoridades absolutamente impensáveis para a   época, como sons de máquinas de escrever, sirenes, bacias com água, e até tiros de revólver.

Na terceira parte do balé Parade surgem acrobatas e palhaços  tristes.

De repente ouve-se o som de uma sirene que encerra o show, levando todos de volta à vida cotidiana…

Em 1924, um ano antes de morrer, Satie escreveu o Balé Relache, em conjunto com o pintor francês Francis Picabia, um dos primeiros representantes  do movimento dadaísta.

Relache em francês significa o fechamento do teatro após o final do espetáculo. O balé Relache era também totalmente dadaísta e a música de Satie cheia de melodias populares – uma provocação para a época.

A provocação é a tônica, a começar pelas palavras de Picabia:

“Relache não quer dizer nada, não significa nada… é o polen de nossa época. Um pouco de pó nas pontas de nossos dedos e a figura desaparece… Deve-se pensar nele à distância e não tentar tocá-lo…”

Satie esquecido no final da vida

No início do século XX Satie era praticamente ignorado pelo público, e viveu o final de sua vida  pobre, e em extrema simplicidade.

Por outro lado era cultuado pelos artistas progressistas e inovadores.

O célebre Grupo dos Seis, do qual faziam parte os compositores Milhaud, Honegger, Auric, Tailleferre, Poulenc e Dourey, o venerava.

Pablo Picasso era seu amigo e declarou que foi uma das mais importantes influências de sua vida.

Claude Debussy também o admirava e foi seu amigo pessoal.

Mais um compositor com obra a ser descoberta por todos nós.

Espero que tenha gostado da leitura!

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