Muitos musicólogos divergem sobre a definicão desse estilo, mas convergem em um ponto: a obra de dois compositores austríacos são seu grande paradigma, o grande modelo. São eles Joseph Haydn e Wolfgang Amadeus Mozart.
Joseph Haydn (1832-1809)Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Classicismo e Mozart: uma síntese
Os clássicos como Haydn e Mozart fizeram uma síntese de tudo o que acontecia em sua época: o contraponto, que já estava em desuso e remetia ao fim do barroco; o onipresente estilo galante; o estilo sensível; e o sturm und drang -Tempestade e Estresse em português.
Fazendo essa síntese, eles lançaram mão de um ingrediente fundamental: o equilíbrio! – nem o extremo racionalismo da música contrapontística, nem a frivolidade do estilo galante; nem os excessos emocionais do estilo sensível ou do sturm und drang.
Exagerado.
Para entender bem o que foi esse equilíbrio na música do século XVIII, nada como observarmos o oposto.
Clicando no link abaixo você poderá ouvir uma peça de um compositor cujo estilo era considerado “exagerado” por W A Mozart: Anton Schweitzer, alemão que vivweu entre 1735 e 1787. De Schweitzer, a abertura da ópera Alceste.
Concerto Köln. Regente: Michael Hofstetter
Esta peça, caro ouvinte, é uma típica abertura em estilo francês do século XVII, mas foi escrita no final do século XVIII, em 1773. Era algo completamente fora de moda.
Sobre esse compositor Mozart escreveu: “sua música não é natural, tudo nele é exagerado”
Mozart, Moderação
Segundo o musicólogo Daniel Heartz, Mozart recorrentemente ressaltava as virtudes da moderacão, que para ele eram o fio que permitia que os pensamentos musicais se sucedessem com naturalidade.
Talvez essa seja, caro leitor, uma das melhores definições do assim chamado “Classicismo Vienense”.
Para conferir este equilíbrio eu sugiro ouvir o 1º movimento da Sinfonia nº 36, de Mozart, apelidada de Sinfonia “Linz”.
Nesta peça nada é exagerado, nada é “over”, para falar na linguagem da moda. Quando parece que a emocão ou a energia vai transbordar, Mozart a contém e introduz algo de novo.
Scottish Chamber Orchestra. Regente: Sir Charles Mackerras.
Nada de Monotonia.
Este 1º mov da Sinfonia nº 36 de W A Mozart, é uma obra basicamente em estilo galante, mas que nunca cai em monotonia, sempre deixando o pêndulo oscilar para momentos de grandiosidade ou intimismo, mas nunca com exagero.
Para não ficarmos só no campo da Sinfonia, vamos mudar de gênero, indo agora para um concerto de Mozart.
Escolhi como exemplo o 1º movimento do seu Concerto nº 23, em Lá maior.
Este é em minha opinião uma absoluta obra-prima em se tratando de equilíbrio e bom gosto.
Pense em uma viagem…
Já aconteceu com vc, caro leitor, de fazer uma viagem, e na volta, chegando em casa, se sentir cansado e dizer: ufa, finalmente de volta. Isso é muito comum, não é? A praia estava ótima, o restaurante também, a companhia idem, mas quando chegamos em casa é um alívio.
E o contrário? Vc está chegando em casa, e tem aquela sensação de perfeição: a viagem não foi longa demais nem curta demais, nem cansativa. É bom estar de volta, e tudo parece ter sido perfeito.
Pois é isso o que eu sinto quando ouço essa peça.
Deguste cada segundo desta obra de Mozart, e depois me diga se você concorda comigo.
Vladimir Horowitz. Orquestra do La Scala de Milão. Regente: Carlo Maria Giulini.
Emoções.
Pois bem, um leitor pode perguntar: mas Mozart nunca se deixou levar por emoções mais fortes?
Aqui e ali, podemos sim observar essa tendência. Nas sinfonias há apenas um exemplo, a Sinfonia nº 25.
Esta é a única sinfonia de Mozart que se aproxima do estilo sturm und drang, e justamente por ser a única muitos estudiosos advogam que se trata de uma exceção, de um ponto fora da curva em sua produção sinfônica.
Nela, Mozart teria usado os elementos Sturm un Drang como um tempero, um flavorizante especial, nos momentos em que achava necessário.
Clicando no link abaixo, você ouvirá o seu 1o. movimento.
Academy of Sanit-Martin-in-the-Fields. REgente: Neville Marriner.
Minueto grotesco.
Outro exemplo interessante é o 3o. movimento desta mesma sinfonia, um minueto.
Mozart definiu um começo estranho, quase grotesco, muito estranho para uma dança que deve ser elegante. Isso é típico do estilo sturm und drang: chocar o ouvinte.
Mas na parte central da peça o que temos é o mais puro e genuíno estilo galante.
Clique no link abaixo para ouvi-lo.
Academy of Sanit-Martin-in-the-Fields. REgente: Neville Marriner.
Música de Câmara
Vamos agora para a música de câmara de Mozart, com uma peça que eu considero muito especial: o quinteto de cordas em do menor, índice Koechel 406.
O seu 1º movimento tem, em minha opinião, o pé bem fincado no Sturm und Drang: tonalidade menor, ritmo pulsante, harmonias e melodias apaixonadas, momentos de impacto, com grandes silêncios.
Uma peça envolvente, mas …. como sempre, no caso de Mozart …muito equilibrada!
Quarteto Amadeus e Cecil Aranowitz.
Esta é uma obra forte, marcada por elementos do estilo sturm und drang , mas subordinados à mais perfeita ordem e equilibrio classicos …. e porque não dizer …. Mozartianos.
Hoje vamos conhecer um pouco do homem Mozart; veremos o que ele pensava sobre música, família, amizades, suas ambições …. e até fofocas e maledicências.
Como podemos saber de tudo isso? Simples cara leitora ou leitor! A partir da leitura de alguns trechos de muitas das cartas de Mozart que foram preservadas.
Os trechos aqui transcritos são de cartas escritas por Mozart após fixar-se em Viena.
Mozart recém-chegado em Viena
Ele acabara de chegar na capital do Império Austro-Húngaro, um dos maiores centros musicais do mundo, após de pedir demissão de seu medíocre emprego em Salzburgo.
Mozart teve que lutar bravamente para sobreviver em Viena como um músico independente, contra a vontade do próprio pai.
A primeira preocupação era com a própria subsistência.
Nesta carta enviada a seu pai em 16 de junho de 1781, vemos Mozart tratando de dinheiro, e podemos notar como as coisas não mudaram muito para os músicos nos últimos 220 anos…
” O senhor sabe bem que, para alguém que quer ganhar dinheiro, esta é a pior estação do ano. As famílias mais distintas viajaram para o interior, e assim não me resta outra coisa senão preparar-me para o inverno.
Neste momento conto apenas com uma aluna, a candessa Rumbeck. Poderia ter mais, é claro, se baixasse o preço, mas se o fizer o meu crédito cai. Calculo 6 ducados por 12 aulas e ainda aviso-lhes que só o faço por favor especial.
Prefiro 3 alunos que paguem muito bem a 6 que paguem mal. Mesmo assim só com essa aluna já dá para sobreviver, e por enquanto isso basta.
Escrevo-lhe isso para que não pense que lhe mando 30 ducados apenas por egoísmo. Fique tranqüilo, mandarei mais assim que tiver – e terei! Porém os outros não precisam saber qual a nossa situação.”
Ou seja: no começo, Mozart sobrevia apenas dando aulas de piano. Mas era um excelente pianista, e sua reputação nesse sentido era muito boa. Logo começou a se apresentar como pianista, tocando seus próprios concertos, e com isso conseguiu um bom dinheiro.
Clicando no link abaixo você poderá ouvir o 30. movimento do Concerto para Piano catálogo Koechel 482. Mozart compôs este concerto em 1785, quando estava em Viena havia 4 anos.
Mozart, Concerto para Piano KV 482, 3o. movimento. Daniel Barenboim e a Filarmônica de Berlim.
A 1a. grande oportunidade de Mozart.
Era agosto de 1781, quando Mozart teve sua primeira grande oportunidade em Viena: foi convidado para musicar um libreto, que resultaria numa de suas mais importantes óperas: O Rapto do Serralho.
Sobre isso Mozart escreveu ao seu pai em 1º de agosto.
… Anteontem finalmente o jovem Stephanie me entregou um libreto. Ele pode ser um homem mau para com os outros, não sei e nem me importo com isso, mas devo dizer que comigo se comporta como um verdadeiro amigo. O libreto é bastante bom. É um assunto turco e o título é Belmont e Konstanze ou O Rapto do Serralho.
A abertura, um coro no 1º ato e o coro final escreverei para uma orquestra à moda turca. Estou tão contente com a encomenda que já terminei de escrever a 1ª aria da sra. Cavalieri, que fará um dos papeis principais, e da mesma forma a do sr. Adamberger, e o terceto que encerra o 1º ato.
É verdade que o prazo é curto, pois a intenção é estrear a obra já em meados de setembro, mas as circunstâncias que fazem com que a apresentação se realize nessa época, e também as novas idéias que brotam da minha cabeça, me agitam o ânimo a tal ponto que dirijo-me à escrivaninha sempre com a maior excitação e de lá preferia nem me levantar.
O grão-duque virá a Viena, e foi por isso que Stephanie me pediu para terminar a obra, se possível , em tão pouco tempo. Decerto será um ponto em meu favor eu ter aceito escrevê-la neste prazo tão curto.”
Apesar disso a composição da ópera acabou se extendendo por um ano!
A estréia foi tumultuada, mas o público gostou, e pouco a pouco ela se firmou no repertório.
Abaixo, de O Rapto do Serralho, a belíssima aria Hier soll ich denn sehen – Aqui então eu a verei, Konstanze, minha alegria.
Ryland Davies (BELMONTE), The London Philharmonic Orchestra, maestro Gustav Kuhn.
Idéias de Mozart sobre Estética.
Enquanto compunha o Rapto do Serralho, Mozart escreveu a seu pai em 13 de outubro de 1781, uma carta na qual há um trecho muito especial, um dos poucos textos em que Mozart fala de estética, e que o mostra não só como um músico genial, mas também um artista com um acurado senso teatral.
“Agora, sobre o libreto da ópera. O sr. tem razão, mas os versos adequam-se muito bem ao caráter ignorante, grosseiro e mal intencionado do personagem Osmin. Apesar de eu saber que os versos não são perfeitos, eles se enquadram tão bem dentro dos pensamentos musicais que eu já tinha em mente, que acabei gostando deles…
Numa ópera, a poesia deve ser uma criança obediente da música. Por que as óperas cômicas italianas são recebidas por toda parte com tanto sucesso, apesar de todas as misérias que encontramos no texto? Até mesmo em Paris vi isso acontecer!
Porque nelas reina a música, e isso faz esquecer todo o resto. Naturalmente, o sucesso é maior ainda se todo o esquema da peça for bom, se as palavras forem juntadas à serviço da música e não por causa da rimas, que às vezes estragam por estrofes inteiras a concepção do compositor.
É claro que os versos são indispensáveis à música, mas as rimas somente pelas rimas só causam danos. Aqueles senhores que são demasiadamente pedantes nesse sentido certamente desaparecerão com suas músicas. O melhor é quando um bom compositor, que entende de teatro e que sabe ele mesmo dizer o que pretende fazer, e um poeta inteligente se encontram…”
Isso aconteceu na Ópera Don Giovanni, em que a música de Mozart vai além da beleza pura e simples, e acentua com perfeição as situações dramáticas.
É o caso da cena final, quando o fantasma do comendador surge, apavorando o imoral Don Giovanni.
A música de Mozart é soberba, refletindo perfeitamente o pavor de Dom Giovanni.
Don Giovanni (Samuel Ramey) Commendatore (Kurt Moll)
Teatro: uma paixão de Mozart!
Mozart realmente apreciava o teatro. Em 4 de julho de 1781 escreveu uma carta a sua irmã, na qual, entre outras coisas diz o seguinte:
“Eu, graças a Deus, estou com boa saúde e com bom humor. Minha única diversão é o teatro. Gostaria que você assistisse aqui a apresentação de uma tragédia. Na verdade, não conheço nenhum teatro onde as peças de qualquer tipo fossem levadas de forma tão excelente como aqui.
Aqui, todos os papéis, mesmo o mais insignificantes, são desempenhados por bons atores, e todas as peças têm duplo elenco“.
Vamos ouvir mais um pouco da música operística de Mozart: da ópera Cosi fan Tutte – assim fazem todas – a aria Come scoglio – como uma rocha.
O texto diz: “Como uma rocha nos mantemos imóveis, suportando os ventos e as tempestades, confiando no amor”.
Fiordiligi: Dorothea Röschmann. Staatsoper Berlin. Daniel Barenboim .
Mozart não era fácil!
Caro ouvinte, apesar de genial – ou talvez por causa disso – Mozart não era fácil
Fofoca e maledicência são muito comuns em sua correspondência!
Veja como, nesta carta de 22 de agosto de 1781, enviada a seu pai, Mozart fala sem papas na língua de um amigo de ambos, um certo senhor Auerhammer , e de sua família.
Em tempos de politicamente correto, isso é totalmente inaceitável!
“O senhor Auerhammer é o melhor dos homens, apenas é um pouco bom demais! Porque lá em sua casa quem usa as calças é sua esposa, que é a mais limitada e boba tagarela do mundo.Quando fala, ninguém tem coragem de abrir a boca. O senhor Auerhammer, das vezes que fomos passear juntos, pediu-me que não contasse às suas mulheres, esposa e filha, que andamos de fiacre ou que tomamos algumas cervejas. Pois bem, como posso confiar em um homem que não pode abrir a boca em casa?”
Na mesma carta, mais adiante lemos:
“Não pretendo descrever a mãe, basta dizer que quando estamos juntos à mesa é difícil não romper em risos. O senhor conhece a sra. Adlgasser aí em Salzburgo? Pois essa peça é ainda pior, pois tem a boca suja também, portanto além de boba é mal intencionada. E agora a filha! Se um pintor quisesse retratar o diabo de modo fiel, bastaria recorrer ao seu rosto! Sua tanto que me causa náuseas, e anda desnuda como se carregasse um papel pendurado dizendo: “por favor, olhem para cá!
“Vade, satanás!”
Pois é! Mozart, compositor de obras sublimes, era uma pessoa com qualidades e defeitos, como qualquer outra.
Mozart e Muzio Clementi.
Em relação a seus colegas compositores, Mozart podia ser ainda mais ferino.
Muzio Clementi, respeitado pianista italiano, admiradíssimo por Beethoven, também não foi poupado, como vemos nesta carta de 7/6/1783.
“Agora gostaria de dirigir algumas palavras à minha irmã a respeito das sonatas de Clementi.
Quem as toca ou ouve pode sentir que as composições não são relevantes. Partes que causem assombro ou que chamem atenção elas não possuem, exceto as passagens em sextas ou oitavas.
Peço à minha irmã que não perca muito tempo com isso, que tome cuidado para não estragar a posição correta das mãos, até agora tranqüilas e firmes, e que a mão não perca, por causa disso, sua leveza, agilidade e rapidez contínua.
Pois afinal, que vantagem isso traz? Se fizer as passagens de sextas e oitavas com a máxima velocidade ( o que, aliás, ninguém é capaz de fazer, nem mesmo o próprio Clementi), tudo virará apenas uma terrível monotonia e nada mais! Clementi é um charlatão, como todo italiano. Ele não possui nada – nada – o menor bom gosto ou interpretação, e muito menos sentimento.“
Caro ouvinte, aí temos uma grande probabilidade de estarmos diante de um caso de inveja.
Clementi já era um músico internacionalmente famoso, enquanto ainda Mozart lutava por um lugar ao sol.
Clementi, por seu lado, reconheceu a importância de Mozart e aprendeu a admirá-lo.
Mozart tinha o direito de não gostar de Clementi, ou de quem quer que fosse. Contudo, chamá-lo de charlatão…. aí ele exagerou!
Clementi foi um músico excepcional, como pianista e como compositor. Beethoven era um grande admirador de suas sonatas para piano, e deixou-se influenciar largamente por ele.
Clicando no link abaixo podemos ouvir o belíssimo 1o. movimento de sua Sonata no. 25.
Maria Tipo, ao piano.
Mozart era amado em Praga!
Em 15 de janeiro de 1787, Mozart está em Praga – cidade que ele adorava – e de lá escreve uma carta ao seu amigo Barão Gottfried Jacquin, falando de um de seus sucessos.
“Querido amigo!
… Ao chegarmos, na quinta-feira, dia 11 ao meio dia, imediatamente já tínhamos muito o que fazer para nos prepararmos até a 1 hora, para o almoço. Às 6 horas fomos de carro com o Conde Conac ao chamado baile de Breitfeld, onde costumam se reunir as flores mais bonitas de Praga. Isso é que teria sido algo de bom para o senhor, meu amigo! Vejo-o na minha imaginação – correndo? será?-não, capengando! atrás das belas mulheres e moças.
Não dancei e nem apalpei as mulheres. Não fiz o 1º porque estava cansado, e o 2º porque sou um tonto de nascença. Mas olhei com grande prazer as pessoas pulando com uma fruição íntima ao ritmo da música da minha Fígaro, transformada em contradança. Pois aqui não falam de outra coisa senão da Fígaro – não tocam, sopram, cantam e assobiam outra coisa senão a Fígaro -não assistem outra ópera senão a Fígaro e para sempre a Fígaro!“
Abertura de “As Bodas de Figaro”. Sinfônica de Viena, maestro Fábio Luisi.
Mozart e Salieri numa boa!
A última carta de Mozart foi escrita em 14 de outubro de 1791, para sua esposa, que se encontrava em uma estação de banhos.
Nada nela nos faria pensar que menos de 2 meses depois ele estaria morto. Nesta carta Mozart conta como ficou feliz por ter levado o compositor Antonio Salieri à uma apresentação de sua última ópera, A Flauta Mágica.
Ele diz:
“Ontem, dia 13, quinta-feira, às 6 horas, fui de carro buscar Salieri e a sra, Cavalieri, e os acompanhei até o camarote.
Você não pode imaginar como eles foram amáveis e como gostaram não apenas da música, mas também do texto e de tudo mais. Ambos disseram que esta é uma ópera que merece ser apresentada diante do soberano mais importante, por ocasião da cerimônia mais solene.
Salieri acompanhou e observou tudo com muita atenção, e da abertura ao último coro não houve um número sequer que não fizesse com que bravos e bellos partissem de seus lábios.“
O trecho mais famoso dessa fantástica obra é sem dúvida a “Aria da Rainha da Noite”.
Diana Damrau. Filarmônica de Viena. Riccardo Muti.
A morte de Mozart.
Mozart viria a falecer no dia 5 de dezembro de 1791, à uma hora da manhã. Em 20 de novembro daquele ano ele deitou-se, mal conseguindo mover os membros do corpo, devido a inchaços dolorosos nas juntas dos braços e pernas. Vomitava muito, e para agravar, foi submetido a várias sangrias, o que pode até ter-lhe causado septicemia – por melhores que fossem as intenções dos médicos da época.
Uma das cunhadas de Mozart, Sophie, presenciou sua morte, e a descreveu anos mais tarde:
“Quando cheguei lá estava Süssmeyr, seu aluno, sentado junto à cama de Mozart. Na colcha estava o Requiem, e Mozart lhe explicava como, em sua opinião, ele deveria ser concluído, após sua morte.”
Essa história é muito contestada por diversos musicólogos, que a enquandram na enorme coleção de histórias fictícias que se sucederam à sua morte.
Para terminar, um trecho do Requiem.
Anna Tomowa-Sintow, Soprano. Helga Müller Molinari, Alto. Vinson Cole, Tenor .Paata Burchuladze, Baixo. Wiener Singverein Wiener Philharmoniker .Herbert von Karajan
No final do século XIX, o romantismo musical já mostrava sinais de desgaste. Embora muitos compositores de grande estatura tenham se mantido fiéis a ele até o começo do século XX, alguns outros procuravam por novas alternativas, na forma musical e na sonoridade.
Inspirar-se em fontes musicais que haviam por muito tempo sido excluídas da música européia era um dos caminhos possíveis, e um compositor que percebeu isso com muita clareza foi o francês Claude Debussy.
Debussy começou a estudar piano com 7 anos de idade, e logo demonstrou enorme talento. Poderia tranqüilamente ter seguido com sucesso a carreira de pianista, mas apaixonou-se pela criação musical, e decidiu tornar-se compositor.
Estudou no Coservatório de Paris, e escreveu suas primeiras peças com 17 anos de idade, sempre contestando as normas acadêmicas. Não gostava de ópera italiana, flertou com o estilo de Wagner, mas logo o abandonou. Estava sempre à procura de sua personalidade como compositor.
Uma das primeiras experiências que lhe abriu as portas para as novas sonoridades que procurava aconteceu em 1889 – portanto quando ele estava com 27 anos.
A tal experiência aconteceu numa das visitas que ele fez à magnífica Exposição Universal realizada em Paris naquele ano.
Comemoravam-se os 100 anos da queda da Bastilha, símbolo do início da Revolução Francesa. De maio a outubro daquele ano, 32 milhões de pessoas visitaram as diversas atrações oferecidas, como a recém construída Torre Eiffel, o Diamante Imperial, maior do mundo até então, exposição de locomotivas de última geração, shows diversos como uma representação do “Far West” norte-americano, e por aí afora.
Pois bem, com tudo isso, o que deixou Claude Debussy de boca aberta foi um conjunto musical vindo da Indonésia: um Gamelão!
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O Gamelão é um conjunto formado basicamente por instrumentos de percussão, principalmente gongos e pratos dos mais variados tipos e tamanhos. E importante: não são afinados segundo os padrões europeus.
Debussy ficou encantado com o que ouviu, chegando a comentar que perto daquilo, os acordes ocidentais pareciam música de criança.
Esses sons da ásia marcaram o compositor para sempre; em 1903 ele iria compôr uma peça para piano chamada Pagodes, numa referência às habitações indonésias que levam esse nome.
É uma peça encantadora. Vale a pena ouvi-la!
Como eu disse há pouco, Debussy ainda muito jovem encantou-se com a música de Liszt e Wagner, que era o que havia de mais moderno na 2ª metade do século XIX; contudo, esse encantamento logo se foi, e ele abriu-se para novas possibilidades.
A música de Gamelão trouxe vários elementos que ele passou a usar com freqüência em várias obras.
Por exemplo, a escala que chamamos de “pentatônica”, ou seja, de cinco notas.
É diferente da escala básica ocidental, nossa velha conhecida, tem 7 notas, do re mi fa sol la si…
“Pagodes”, a peça que você pode ouvir clicando no link acima faz uso dessa escala.
Outro ponto interessante a ser notado, nessa busca pelo afastamento do romantismo musical, é o que lemos na partitura dessa peça.
O próprio Debussy escreveu: “tocar quase sem nuance”.
Nuance, no jargão musical, se refere à intensidade de som. Assim, Debussy quer que a peça seja tocada praticamente no mesmo volume de som, sem “crescendos” ou “diminuendos”, de modo que a ênfase cai sobre os timbres, as cores sonoras, eliminando os excessos expressivos.
Outra informação: Pagodes é na verdade a 1º de uma seqüência de três pecas, uma suíte intitulada “Estampes”.
A 2ª se chama La Soirée dans Grenade, ou em português, a Noite em Granada, em que temos o uso da escala árabe:
Graças a essa escala, Debussy aqui também se afasta do padrão europeu. Granada, como sabemos, é a região da Espanha que talvez tenha retido a maior influência árabe da Península Ibérica. O grande compositor espanhol Manuel de Falla disse sobre a peça: “Não há um único compasso nesta peça que tenha sido retirado do folclore espanhol, mas mesmo assim toda a composição, nos seus mínimos detalhes, retrata admiravelmente a Espanha.”
Clique abaixo para ouvi-la.
Felix Buchmann, piano.
A 3ª e última peça da suíte “Estampas” chama-se “Os Jardins sob a Chuva”. Esta não tem nenhum elemento não europeu, e procura descrever um jardim da cidade de Orbec, na Normandia, durante uma violenta tempestade.
Há muitos elementos descritivos – o vento, os trovões, as gotas de chuva – entremeados com melodias folclóricas.
Outra escala que Debussy passou a usar com o objetivo de se afastar da sonoridade européia foi a escala de tons inteiros.
Um exemplo de peça construída a partir dessa escala é “Voiles” – véus, em português.
Debussy realmente consegue passar a sensação de véus que se movem pela ação do vento, criando um ambiente translúcido.
Para encerrar a série sobre o Grupo dos Cinco, veremos agora o mais célebre deles: Nikolay Rimsky-Korsakov.
A 1a paixão do menino Nikolay não foi a música, mas o mar. Como os outros compositores do grupo dos cinco, ele começou a ter aulas de piano ainda na infância, mas não se entusiasmava muito. Ia levando. O que o fascinava de verdade eram as histórias sobre o mar, as que lia, ou que ouvia, contadas por seu irmão 22 anos mais velho, que era marinheiro e explorador.
Ele nunca havia sequer visto o mar; mas o fascínio era tamanho que em 1856, com apenas 12 anos de idade entrou para a Escola de Navegação da Real Marinha Russa. Formou-se em 1862, e estes foram seis anos admiráveis em sua vida, aprendendo e viajando.
Contudo, em 1861, ou seja, um ano antes da formatura, Korsakov foi apresentado a ninguém menos que Mily Balakirev, o líder e mentor do grupo dos cinco.
Aí seu interesse pela música ressurgiu, e algo extraordinário aconteceu: com seus parcos estudos musicais – aulas de piano pelas quais nunca se entusiasmara, e alguns esparsos conhecimentos de composição, Korsakov, incentivado por Balakirev lançou-se à composição de sua primeira obra: uma sinfonia!
Cara leitora ou leitor, pra você ter uma idéia, Johannes Brahms, por exemplo, só se aventurou a compor uma sinfonia aos 40 anos de idade, depois de escrever muita, muita música de outros gêneros. Naquela época, a força das Sinfonias de Beethoven era algo tão avassalador que os compositores nutriam grande cautela pelo gênero.
Pois bem, o jovem Korsakov foi em frente, e auxiliado por Balakirev, concluiu sua sinfonia. E o mais interessante é que ele fez isso durante uma longa viagem de navio pelo planeta, onde chegou até a passar pelo Rio de Janeiro.
Pois bem, a sinfonia fez enrome sucesso; foi o marco inicial de sua carreira, que uniu suas duas paixões: a música e o mar.
Trata-se, em minha opinião, de uma belíssima obra, verdadeiramente contagiante, como eu disse há pouco. Porém, apesar de todo o esforço nacionalista de Balakirev, eu ainda identifico aqui muita influência germânica, muito Beethoven, muito Schumann.
Isso iria mudar com a Sinfonia número 2.
A segunda sinfonia de Kimsky-Korsakov tem um programa, uma história, que foi sugerida ao compositor por dois de seus colegas do grupo dos cinco, Cesar Cui e Modeste Mussorgsky.
Trata-se de um texto do escritor russo-polonês Osip Sennkovsky, que conta a história de Antar, um inimigo da humanidade.
Isolado no deserto, Antar salva uma gazela das garras de um pássaro gigante. Cansado da luta com o pássaro, Antar dorme, exausto, e sonha que está no palácio da Rainha de Palmira, a conhecida cidade da Síria. Lá ele descobre que a Rainha é ninguèm menos que a Gazela que ele havia salvo. Como prêmio por tê-la salvo, a Antar é então permitido gozar de três dos maiores prazeres da vida: vingança, poder e amor.
É uma música cheia de exotismo, e com traços orientais, típicos da estética do grupo dos cinco. Muito diferente da 1a Sinfonia.
Korsakov completou sua primeira Sinfonia em 1865, quando tinha 21 anos de idade. A 2a Sinfonia foi concluída em três anos depois, em 1868.
E entre as duas Korsakov produziu Sadko, o 1o poema sinfônico russo.
A 2a Sinfonia já tinha os elementos de um poema sinfõnico, mas Korsakov a estruturou em 4 movimentos separados, como mandava o figurino. Já Sadko é uma obra de um só movimento, compacta, baseada em uma antiga lenda russa.
Mais uma vez temos a presença de Balakirev e do mar.
Balakirev admirava muito uma obra sinfônica chamada “Sinfonia do Oceano”, escrita anos antes por Anton Rubinstein. Rubinstein era, contudo, um compositor acadêmico, germânico, de modo que Balakirev sonhava com uma versão tipicamente russa desta “Sinfonia do Oceano”. Ele conversou com outro ideólogo do nacionalismo russo, o escritor Vladimir Stasov, que sugeriu a lenda de Sadko e criou um roteiro para ser usado na composição.
Sadko era um conhecido personagem da tradição oral russa, que cantava e tocava um intrumento semelhante à lira; um Orfeu russo, digamos. Ele é levado para o Reino dos Mares, onde deve providenciar a música para o casamento da filha do rei. Ele o faz com muito êxito, mas em determinado momento a música começa a ficar demasiadamente frenética, criando ondas gigantescas, que ameaçam afundar todas as embarcaçoes. Para acalmar o mar, ele é obrigado a esmagar sua lira. Tudo se acalma e ele, magicamente, é transportado de volta para o litoral.
A obra fez muito sucesso, e na opinião do próprio compositor isso aconteceu pela originalidade do trabalho, da beleza das melodias e da vivacidade do tema dançante.
Em 1867, mesmo ano em que Kirsakov compôs Sadko, Mily Balakirev planejou um concerto que chamou de pan-eslavo. Na sua concepçao de uma estética musical não germânica havia espaço para o orientalismo, e também para elementos musicais de todos os países do leste europeu.
Haveria neste concerto várias obras com referências a vários países eslavos, de modo que Balakirev pediu a Korsakov que construísse uma obra com melodias sérvias, melodias que ele mesmo, Balakirev, forneceu.
Em sua autobiografia Korsakov confessou que não foi a idéia de um pan-eslavismo o que o motivou a compôr a obra, mas sim a grande beleza das melodias fornecidas por Balakirev.
Finalmente, em se tratando de um post sobre Nikolay Rimsky-Korsakov, não podemos deixar de falar da muito célebre suíte sinfônica Scheherazade.
Scheherazade não é uma obra de juventude, como todas essas das quais falamos até agora. Foi composta em 1888, quando o compositor tinha 44 anos de idade.
É baseada na coleçao de textos “As Mil e Uma Noites” – textos provenientes da Asia e do Oriente Médio, que foram compilados em árabe entre os séculos 8 e 13.
É um dos melhores exemplos do orientalismo tão estimado pelos compositores do grupo dos cinco.
A obra tem a envergadura de uma grande sinfonia romântica – 4 movimentos, com uma duração total de cerca de 45 minutos. Mas fora isso, não tem mesmo nada a ver com as sinfônias germânicas, e por isso o próprio compositor preferiu chamar a obra de Suíte Sinfônica.
Para cada um dos movimentos ele deu um título.
O primeiro é “O Mar e o barco de Sinbad” – e temos aqui, mais uma vez, o mar, a primeira paixão do compositor.
O segundo movimento é “ O Príncipe Kalandar”.
O terceiro, “O jovem príncipe e a jovem princesa”.
Finalmente, o 4o e último movimento chama-se “Festival em Bagdad. O Mar. O barco choca-se contra um penhasco, sobrepujado por um cavaleiro de bronze.”
DICA DE LEITURA
Eternas, as histórias das Mil e uma noites se espalharam por todo o mundo, sendo contadas para crianças e adultos através dos séculos. A trama é sobre o sultão Shahriar, que, após descobrir a traição da mulher, decide casar-se cada noite com uma jovem diferente, matando-a ao amanhecer. Tal condenação só é desfeita quando Sherazade, a impetuosa filha do grão-vizir, se oferece como noiva do sultão e faz com que as noites se multipliquem ao inebriar o marido com suas histórias envolventes. Com apresentação de Malba Tahan, esta edição de luxo das Mil e uma noites traz aventuras de mercadores, anedotas, histórias de príncipes e gênios, além dos clássicos Ali Babá, Aladim e Simbá, o marinheiro.
Mily Balakirev foi um pianista fabuloso, dono de uma excelente leitura à primeira vista, imensa intuição e bom gosto.
Nasceu numa pequena cidade e teve as primeiras aulas de piano com sua mãe. Seu grande talento logo chamou a atenção dos amantes da música da região, que lhe providenciaram aulas com os melhores professores.
Foi praticamente adotado por um conde que mantinha uma pequena orquestra em sua propriedade. Balakirev freqüentava as suas reuniões musicais, onde conheceu as obras dos grandes compositores europeus da época.
Progrediu tanto que aos 15 anos já lhe era permitido ensaiar a orquestra do Conde; e foi aí que ele conheceu as sinfonias de Beethoven. Nessa idade ele compôs suas primeiras obras, entre elas uma Grande Fantasia para Piano e Orquestra sobre Temas Populares Russos.
Ainda jovem, portanto, o compositor já se interessava pela música folclórica de seu país, o que era um prenúncio do que iria acontecer em sua carreira.
Contudo um fato importante iria consolidar seu interesse pela criação de uma música genuinamente russa: o contato com o compositor Mikhail Glinka.
Glinka era cerca de 30 anos mais velho que Balakirev, e foi o pioneiro na utilização de matéria prima russa, quando compôs a ópera “Uma vida pelo Czar”. Suas danças e coros populares fizeram da obra um imenso sucesso.
Balakirev conheceu Glinka em 1855, em São Petersburgo. Tornaram-se próximos e travavam com freqüência sérias discussões sobre o futuro da música russa. Balakirev, a essa altura, já havia decidiu tornar-se o continuador da obra de Glinka.
Como vimos, Balakirev já vinha, desde os 15 anos de idade, introduzindo música popular russa em suas obras. Com Glinka ele descobriu novos recursos, como o Orientalismo.
A história do orientalismo começa com 2a ópera de Glinka, Ruslan e Ludmila. Nela o compositor introduziu vários trechos que remetiam aos países mais ao leste do império russo. Os compositores do Grupo dos Cinco iriam levar adiante essa idéia, de modo o orientalismo tornou-se a sua principal característica.
Orientalismo nos Balés Russos de Sergei Diaghilev
Num primeiro momento, os compositores usaram melodias dessas regiões distantes. Mas logo eles foram além, e o orientalismo tornou-se veículo para uma simbologia muito interessante. Estabeleceu-se uma dicotomia entre a racionalidade ocidental e a irracionalidade e passionalidade oriental. Referências à vasta extensão do império russo, que se ampliava naquela época, somavam-se à idéia de uma real separação entre a estética musical germânica e a nova estética russa.
Uma das mais importantes obras de Balakirev é toda calcada no orientalismo. Chama-se Tamara.
Ela retrata a história de uma linda jovem, que vivia sozinha em uma torre numa passagem de viajantes na fronteira entre a Rússia e a Geórgia. Ela seduzia e atraia os viajantes, e após passar a noite com eles, os matava e atirava no rio Terek.
Balakirev cria dois ambientes musicais distintos. Um de caráter dionisíaco, com ritmos obsessivos, notas repetidas, e andamentos acelerados. Outro, descreve o desejo sensual, com ritmos irregulares, melodias alongadas, e dissonâncias pouco usuais.
Orquestra Sinfônica de Montreal. Kent Nagano.
DICA DE LEITURA
Nas palavras do romancista Milton Hatoum, Orientalismo é “um ensaio erudito sobre um tema fascinante”: como uma civilização fabrica ficções para entender as diversas culturas a seu redor. Para entender e para dominar. Neste livro de 1978, um clássico dos estudos culturais, Edward W. Said mostra que o “Oriente” não é um nome geográfico entre outros, mas uma invenção cultural e política do “Ocidente” que reúne as várias civilizações a leste da Europa sob o mesmo signo do exotismo e da inferioridade. Recorrendo a fontes e textos diversos – descrições de viagens, tratados filológicos, poemas e peças, teses e gramáticas -, Said mostra os vínculos estreitos que uniram a construção dos impérios e a acumulação de um fantástico e problemático acervo de saberes e certezas européias. A investigação da origem e dos caminhos do Orientalismo como disciplina acadêmica, gosto literário e mentalidade dominadora, vai e volta do século XVIII aos dias de hoje, das traduções das Mil e uma noites à construção do canal de Suez, das viagens de Flaubert e “Lawrence da Arábia” às aventuras guerreiras de Napoleão no Egito ou dos Estados Unidos no golfo Pérsico. Um livro fascinante e indispensável.
Alexander Borodin foi outro compositor do “Grupo dos Cinco”, a turma de russos barulhentos que viveu na 2a. metade doséculo XIX e batalhou pela criação de uma música genuínamente russa, sem influências alemãs, italianas, francesas, e por aí afora.
Suas principais obras são: duas sinfonias, dois quartetos de cordas , o poema sinfônico Nas Estepes da Ásia Central e a ópera Príncipe Igor.
Houve um tempo em que sua música estava tão na moda, que alguns de seus temas fram usados em um musical americano . Isso aconteceu em 1954. O musical chamava-se “Kismet”, que quer dizer “destino, em Português.
Este é mais um exemplo da mistura entre os mundos da música clássica e da música popular, muito mais frequente do que podemos imaginar!!!
Bordin era médico e químico de profissão e formação, e fez importantes contribuições iniciais para a química orgânica. Embora atualmente seja mais conhecido como compositor, ele considerava a medicina e as ciências como suas principais ocupações, praticando música e composição apenas nas horas vagas ou quando estava doente.
Borodin foi um promotor da educação na Rússia e fundou a Escola de Medicina para Mulheres em São Petersburgo, onde lecionou até 1885.
Clique aqui para ver um vídeo com um trecho da ópera “Príncipe Igor”. Se não conhece, tenho certeza que ficaá encantado!
Na póxima postagem continuamos com o Grupo dos Cinco.
César Cui é um nome que o amante da música de concerto volta e meia encontra em em revistas especializadas, encartes de CDs, etc.
Mas é fato que sua música é muito pouco conhecida.
E sua vida, da qual sabemos muito pouco, é muito interessante.
A presença de Cui no Grupo dos Cinco é um paradoxo, ou mesmo um mistério.
Ele foi o menos russo dos cinco. Seu pai era francês, um militar do exército de Napoleão que, após a retirada decidiu não voltar para seu país. Havia se apaixonado por uma jovem lituana, de descendência polonesa, e com ela se casou. Estabeleceu-se na cidade de Vilnius, onde conseguiu um trabalho como professor de francês.
Nesta cidade nasceu Cesar Cui, que cresceu aprendendo nada menos que quatro línguas: francês, polonês, lituano e russo. E aí, caro leitor, creio que está a raiz do paradoxo que eu mencionei há pouco. Cui haveria de, entre outras coisas, tornar-se um prolífico crítico e cronista musical, tendo escrito uma grande quantidade de textos sobre música. Nesses textos, ele advogava vigorosamente a criação de uma estética musical genuinamente russa. Contudo a sua música, na maioria dos casos, não materializa essas crenças. Em muitas obras o que ouvimos é um compositor universalista, admirador dos estilos e Chopin e Schumann.
Nikolay Rimsky-Korsakov, que se tornou o mais conhecido do grupo, deixou escrito que Balakirev, o lider do grupo, e o mais radicalmente devotado à causa da estética russa, “permitia um certo grau de liberdade a Cui, tratando com indulgência muitos elementos qua não se afinavam com suas preferências”.
Acontece que o talento de Cui para as pequenas peças era realmente excepcional. Nas suas miniaturas, peças de 2 a 4 minutos, ou até mais curtas, ele conseguia criar com perfeição estados de espírito precisos e climas de absoluto erncanto.
Execução de Philip Edward Fisher.
É um tanto chocante ouvir essa declaração do próprio compositor:
“ Embora Russo, eu sou meio francês, meio lituano, e eu não tenho o sentido da música russa em minhas veias….
Mas há algumas obras de Cui em que o espírito russo está presente, como a Suíte Orquestral no. 3, opus 43, à qual o compositor deu o título de “In Modo Popolari”.
São seis movimentos: Allegro Moderato, Moderato, Vivace, Moderato, Allegretto e Vivace ma non troppo.
Execução da Orquestra Filarmônica de Hong Kong, dirigida por Kenneth Schermerhorn.
Nesta postagem, falo de Modeste Mussorgsky (1839-1881).
Mussorgsky foi, como outros dois compositores do Grupo dos Cinco, Cesar Cui e Rimsky-Korsakov, um militar de carrreira.
Mas teve uma vida diferente: nasceu em uma família rica e aristocrática. Estudou piano desde cedo, e ainda na juventude interessou-se profundamente por história e por filosofia alemã.
Tornou-se um jovem adulto culto e refinado.
Aos 17 anos formou-se em na Academia de Cadetes de São Petersburgo, sendo designado para um regimento de elite da Guarda Imperial Russa.
Foi nessa época que ele conheceu outros compositores do Grupo dos Cinco: Alexander Borodin, Cesar Cui e Mily Balakirev.
Balakirev, que era o líder do grupo, impressionou-se fortemente pelo talento muiscal de Mussorgsky, e simplesmente o adotou como seu pupilo.
Balakirev não era exatamente um professor de composição, como os que existiam nos conservatórios alemães, franceses ou italianos.
Era, como Mussorgsky, um pianista extremamente talentoso e muito bem treinado. Mas tinha mais experiência, e ensinou ao jovem tudo os que sabia sobre as principais obras de Beethoven, Schumann, Schubert, e sobretudo sobre Glinka, que havia sido o pioneiro dos nacionalistas russos.
Pois bem, a fortíssima personalidade de Balakirev produziu o efeito esperado: pouco tempo após começar as aulas, Mussorgsky tomou a decisão de deixar a carreira militar e devotar-se inteiramemte à música.
Embora estive sob a tutela artística de Balakirev, um nacionalista ferrenho, a música de Mussorgsky, nessa época, ainda se voltava para modelos estrangeiros. Um exemplo é a sonata para piano a quatro mãos, escrita por ele em 1860, quando estava com 21 anos. Não tem realmente nada de tipicamente russo, mas isso não quer dizer que não mereça ser ouvida. Pelo contrário, é uma obra deliciosa!
Mussorgsky: Sonata para Piano a 4 maõs; 10. movimento, Allegro. Maurizio Baglini · Roberto Prosseda
Pouco tempo depois de compôr esta sonata que acabamos de ouvir, sua família rica e aristocrática viu-se subitamente empobrecida. Mussorgsky, que havia deixado a carreira militar para dedicar-se à música, passou a se sustentar com um emprego no serviço público. Contudo, naquela época, mesmo o serviço público na Rússia não era estável, e Mussorgsky ficava longos períodos sem salário. Para piorar, o hábito de beber bebidas alcólicas pesadamente, que havia adquirido no seu tempo de escola militar acabou resultando em verdadeiro alcolismo.
Na música, mais frustrações. Começou a escrever uma ópera baseada em texto de Gustav Flaubert, mas abandonou o projeto no meio. Dedicou-se a um poema sinfônico que hoje é uma de suas obras mais conhecidas – Uma noite no Monte Calvo – mas como ela foi severamente criticada por seu mestre, Balakirev.
Mussorgsky nunca cheogu a ouvi-la.
Ele só viria a conhecer um real sucesso cerca de 10 anos depois, em 1874, na estréia de Boris Godunov, a única ópera que concluiu. Foram 5 anos de trabalho, entre 1868 e 1783, diversos percalços e rejeições, até o estrondoso sucesso da estréia, no Teatro Mariinsky, em São Petersburgo.
A platéia não parava de aplaudir, e o compositor teve que ir à cena nada menos que 20 vezes!
Nos dias seguintes, ouviam-se trechos da ópera cantados nas ruas da cidade.
“Grupo dos Cinco” foi como ficou conhecido um grupo de jovens compositores que trabalharam compartilhando uma mesma idéia; ou talvez seja mais apropriado dizer, uma mesma paixão: a criação de uma genuína música de concerto russa.
Como vimos nas postagens anteriores, durante o século XIX, os compositores dos países do norte da Europa sofriam uma fortíssima influência dos compositores germânicos, como Bach, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, e Wagner.
Não era pra menos: a obra desses mestres era e é um verdadeiro portento. Não era nada fácil para um músico europeu daquela época escapar desta influência. Contudo era justamente o que queriam os jovens compositores Mily Balakirev, Cesar Cui, Alexander Borodin, Modeste Mussorgsky e Nikolay Rimsky-Korsakov.
O movimento criado por eles começou em 1862, quando todos eram ainda muito jovens: Korsakov, o mais jovem de todos tinha apenas 18 anos, e Borodin, o mais velho, 28.
Mas apesar de mais velho, não era ele o líder. Sim, porque o grupo tinha um líder, que os outros quatro ouviam e obedeciam com grande reverência. Esse líder é, paradoxalmente, o menos conhecido dos cinco atualmente. Seu nome é Mily Balakirev.
Mily Balakirev
De todos, Rimsky-Korsakov é sem dúvida o mais conhecido e mais tocado nos dias de hoje, graças principalmente à sua inspirada suíte sinfônica Sheherazade.
Rimsky-Korsakov
Em segundo lugar vem Mussorgsky, muito lembrado pela obra-prima Quadros de Uma Exposição
Modest Mussorgsky
Alexander Borodin é o terceiro da lista em termos de reconhecimento, e sua obra mais tocada é a 2a Sinfonia.
Alexander Borodin
Finalmente Cesar Cui e Mily Barakirev são realmente muito menos lembrados atualmente.
Cesar Cui
Esses cinco músicos começaram a compor “na raça”, se me permitem a expressão. Isso quer dizer que nenhum deles havia até então estudado composição formalmente, como se fazia nos conservatórios da Itália, Alemanha e França. Não tinham sido treinados em contraponto e harmonia. Podiam ser considerados amadores, auto-didatas em composição.
Evidentemente apoiavam seu trabalhos sobre alicerces germânicos – admiravam Beethoven e Schumann. Mas, de modo bastante arrogante, desprezavam Haydn e Mozart, que consideravam ingênuos e ultrapassados;
De J S Bach, diziam estar já petrificado; não respeitavam Mendelssohn, nem Chopin.
Ou seja, eles não eram nada fáceis, caro leitor!.
Pois bem, o que nós faremos a partir de hoje, é dedicar uma postagem a cada um deles.
Na geracão que se seguiu à de Chopin e de Glinka, foi a vez da região que hoje faz parte da República Checa entrar para o movimento nacionalista europeu. Isso se deu graças ao compositor Bedřich Smetana, que viveu entre 1824 e 1884.
Veja só, cara leitora, caro leitor, como certos fatos daquela época na Europa podem parecer surpreendentes para nós brasileiros.
Pois bem: Smetana nasceu numa cidade no interior da atual da República Checa, entre as regiões da Boêmia e a Morávia. Naquela época a tal cidade fazia parte do império Austro-Húngaro; o alemão era a língua oficial do país, de modo que o pai do jovem Bdrich alfabetizou seu filho nesta língua!
Em 1863, com quase 40 anos de idade, Bdrich decidiu engajar-se no movimento nacionalista tcheco, compondo uma ópera dentro do espírito nacional. E para isso – vejam vocês – foi estudar a língua da sua própria terra, que ele não sabia falar nem escrever corretamente.
Muito bem: desse esforço surgiu em 1863 a ópera “Os Brandenburgueses na Boêmia”. A trama é baseada em eventos da história tcheca, e o libreto é em tcheco.
Contudo, Smetana ainda não usou elementos da música folclórica de seu país. Isso só viria acontecer 3 anos mais tarde, quando ele concluiu sua segunda ópera, A Noiva Vendida. Esta sim, tornou-se um marco, tanto da cultura tcheca, quanto do repertório operístico internacional, sendo executada com freqüência até hoje.
Ouça um trecho desta ópera que é conhecidíssimo: a Dança dos Comediantes!
Philharmonia Orchestra. Maestro Jac van Steen. Garsington Opera.
Em outro post falaremos de outro grande compositor checo que sucedeu Smetana: Antonin Dvorak.
